Sociedade Homo Litteras

GLOBO: MENE, MENE, TEQUEL, UFARSIM

2012-01-22T18:51:00.003-02:00

GLOBO: MENE, MENE, TEQUEL, UFARSIM

Prezados amigos...

Está acontecendo uma campanha nacional nas redes sociais contra Globo, conforme foto anexada que foi divulgada na internet e repassada por emails. Assim, depois dos anos de besteirol na TV apoiando o lixo e a hipocrisia, usando o poder para manobras políticas, agindo arbitrariamente para com a cultura e a arte brasileira, parece que a infalível "Lei de Causa e Efeito" estar chegando para a Globo e a Mídia Ignorante fazendo justiça para parte mais fraca!

De modo analógico, esse episódio da Globo e Mídia atual me fez relembrar uma crônica de Profeta Daniel da Babilônia que menciona uma sentença para o Rei Belsazar da antiga Babilônia. Esse Rei orgulhoso e opulente que sem escrúpulos promovia orgia, baderna, agindo sem humildade e muitas vezes de modo cruel.

Na crônica, uma noite Belsazar fez uma festa no palácio e para provocar e humilhar o Deus dos Hebreus, cometeu um grande desrespeito e sacrilégio, usou todos os utensílios sagrados do templo de Jerusalém trazido por Nabucodonozor. A fim de provocar o Deus dos céus blindou aos deuses da Babilônia com seus convidados e concubinas numa noite de orgias. Hoje a Globo comete o mesmo sacrilégio, alienando o povo a uma cultura de massa nojenta, se ostentando em um reino opulento que controla as mentes para consumir sua programação e manipular e influenciar a política. Enquanto isso, a corrupção assola o país, a Educação é a penúltima na América e o último sucesso promovido pela mídia ignorante é "Ai se eu te pego".

Na crônica, de repente, aparece uma mão de homem escrevendo na parede branca da sala de banquete. Ao ver a mão, o rei mudou o semblante e turbaram os seus pensamentos, não sabia o que pensar; ficou trêmulo, pálido de medo e começou a tremer da cabeça aos pés. (Dn 5.5-6) - Com certeza o Rei sabia o que fazia, assim como a Globo, o medo vai se manifestar quando o povo não tolerar mais e artistas corajosos repudiarem seu espaço "pagão"!

Voltando a crônica. Imediatamente Belsazar grita e chama todos os astrólogos e sábios para lerem à escritura e declarar sua interpretação, mas ninguém foi capaz. Logo sua mãe, lembrou do profeta Daniel que tinha o espírito dos deuses santos e podia interpretar o mistério. Não sabia ele que havia uma sentença divina para aquela atitude rebelde e insensata. Creio que chegará o dia da "Lei de Causa e Efeito", que é infalível, agir contra a Globo e nem precisa ser sábio ou astrólogo para poder entender o porquê e quando se dará isso.

Daniel já estava decifrando e interpretando o mistério da escritura na parede: MENE, MENE TEQUEL UFARSIM.

MENE – Contou Deus o teu reino, e o acabou.
TEQUEL – Pesado foste na balança e foste achado em falta.
UFARSIM – Dividido foi o teu reino, e dado aos medos e aos persas.

Os artistas possuídos da "fantasia global" vão com esse reino, pois são parte dele. Os medrosos que dependeram desse espaço e produziram lixo, e não denunciaram essa tremenda inversão de valores, talvez se arrependam, mas nesse novo "reino" só terá espaço para o excelente e não mais para o lixo cultural!

O povo demora, mas não é trouxa!

O Poetinha, Wagner Ortiz
www.sitedepoesias.com.br/poetas/WagnerOrtiz

Medite

2012-01-10T17:56:00.001-02:00

Fonte: http://genesiscontradarwin.blogspot.com

Medite

O homem levou milhares de anos para evoulir até o ponto de ser um organismo complexo, desenvolveu um corpo e mente para poder se expressar e desenvolver consciência do mundo físico e suprafísico (ainda em evolução, pois não o compreende)!

Mas, será que o Homem não percebeu que toda essa evolução adquirida até agora serve para alguma coisa? Qual é nossa missão aqui?

Dizem que um anjo é uma vida mais evoluída, sim, e é altruísta, e por certo nos ajuda, pois tem mais discernimento e inteligência dos mundos suprafísicos do que nós, eles sabem sua missão. Mas se os mais evoluídos podem fazer algo, porque não conseguimos nos ajudar e ajudar os seres menos evoluídos?

Para que uma pessoa evoluiu e passou a ter pés? Logo, se alguém adquiriu inteligência e pode transformar o mundo com ela, coisa que outras espécies não têm e não podem ainda, como o Homem pode agir da forma que age? Com toda essa inteligência não dá para fazer algo melhor?

Acredito que ainda continuaremos evoluindo muito, e isso se dará pelo altruísmo que é o material para a construção de um novo mundo, onde vamos precisar uns dos outros para continuar!!! Esse é o próximo passo na nossa evolução!

Voltando a escrever no blog

2012-01-10T17:34:00.000-02:00

Queridos amigos, passei uma temporada sem fazer postes novos, mas esse ano quero colocar bastante coisa legal. O tempo é um traidor, pois temos tanta coisa para fazer, escrever, acabar, começar, etc. que mal sobra tempo para organizar um blog. Bem, para vocês que gostam de ler o escrevo, aqui vai uma poesia que escrevi originalmente para o quarteto Quadrisax, a ideia era compor um samba de breque instrumental e nos breques essa intervenção poética, como o samba não nasceu a usei em uma ocasião especial, ou seja, a usei para aprensentar o grupo em um concerto que realizamos. Fico muito legal esse modo de apresentar o grupo!

SAMBA DE BREQUE

Respeitáveis ouvintes,
Malandros e vagabundos,
Assisti aos nossos meandros
Com reto e caximbos,
Quadrisax Quarteto,
O apito graveto
O piu do mareco,
O ronco irriquieto,
E o alto corneto.

Pare de tanto pileque!
Salve o Samba de Breque!

Apito graveto,
Caximbo incompleto,
Sax de aristocrata,
Corneta de lata,
Roberto acrobata
Não vem com bravata.
- Zé da flauta de lata!

Pare de tanto pileque!
Salve o Samba de Breque!

O alto corneteiro
Sax alto, matreiro,
Instrumento de cachaceiro,
Estuda dentro do banheiro,
Rolf, gente boa, zombeteiro!
- E Wagner fofoqueiro!

Pare de tanto pileque!
Salve o Samba de Breque!

O piu do mareco
Vem do som desse treco
Caximbo de pato,
Berra mesmo de fato
E toca mesmo, no ato!
Edu Moreno cara discreto
- Se vacila eu completo!!

Pare de tanto pileque!
Salve o Samba de Breque!

O ronco irriquieto,
Bagulhão, som concreto,
Berrante de gigante,
Bufa de elefante,
Asfixiante, apavorante,
- Tiago toma cuidado,
Tu tá ficando manjado!
_ Eta sax enferrujado!

Pare de tanto pileque!
Salve o Samba de Breque!

©All rights by Wagner Ortiz
Reg. BN 178-2/299-3

Encontro Literário Musical com Wagner Ortiz e Quadrisax Quarteto

2011-12-10T18:16:00.001-02:00

Wagner Ortiz é compositor, arranjador, flautista e poeta se apresenta na próxima sexta às 21:00, 16/12, no Space Family Buffet, com o Grupo Quadrisax e com os convidados Edson Masson, Elias e agora Lucio Costa. Prometendo uma noite de pura música brasileira e literatura, Wagner e o quarteto saxes formado pelos músicos Roberto Dessordi (sax soprano), Rolf Ochsenhofer (sax alto), Edu Moreno (sax tenor) e Thiago Battistin (sax barítono) desenvolvem o trabalho misturando a linguagem erudita à popular, assim explora a bela sonoridade resultante dessa formação instrumental. Além da leitura de poesias do autor no repertório há clássicos do choro e arranjos inéditos da MPB.

O Space Family Buffet fica na rua
Igino Scarpelli, n.05, Pq. Marajoara II - Santo André.
(no sentido Mauá, passando o Ragazzo segunda a direita )

Ingressos R$ 10,00

Informações: 2896-2659/7840-1415

Aberto a crianças a partir de 10, até 12 não paga! (claro, acompanhadas por um responsável, rsrsrs)

Palestras sobre Dicionário do Crentês

2011-11-21T01:36:00.000-02:00

Todos os direitos reservados aos autores.
Wagner Ortiz, Reg>BN 178-2/299-3

Endorréia na língua

2011-11-14T03:57:00.000-02:00

Os vícios de linguagem chegam, entram e se instalam como uma praga, eles se apossam da língua coloquial, onde ganham força, e depois estrangulam a língua culta travando uma verdadeira guerra entre língua e linguarudos que, muitas vezes, se esforçam em vencer essa guerra, pois, parafraseando e filosofando sobre os versos do poeta Olavo Bilac, assim como ouviram pela primeira vez as palavras “meu filho” e internalizaram o idioma tataraneto do latim, flor do Lácio, da mesma forma internalizam as pragas.

Dentre os vícios medonhos que ainda permanecem, já que os mesmos são esquecidos por serem meros modismos passageiros, se discute polemicamente o pedante gerundismo, que se tornou uma praga na língua portuguesa do Brasil no final século XX.

Existe o legítimo caso na língua, que ocorre com o uso do gerúndio para comunicar ações simultâneas, por exemplo, “vou estar dormindo na hora do show”, diferente desse gerúndio vicioso que também segue regra própria, ou seja, usa locuções como, por exemplo, “vou + estar + verbo no gerúndio” e também observa-se, “ verbo auxiliar + verbo infinitivo + estar + verbo no gerúndio”. Com estas formulas se constroem as presunçosas frases “ vou estar falando”, e presunçosas e pegajosas como esta dita pelo famoso pastor Silas Malafaia Jr., “ você vai poder estar ligando”.

Todo esse trabalho e pedantismo tem o objetivo de indicar uma falsa ação futura com precisão. E, além disso, acompanha essa idéia um pensamento piegas, ou melhor, a ilusão de que se fala sofisticadamente, daí o uso do gerundismo por pessoas das áreas comercial, marketing, da classe média alta e dos exibidos que as acompanham.

Depois de tantos debates sobre o assunto e a mídia “fuzilar” o gerundismo, as pessoas tentam a autocorreção, o que se torna difícil quando o uso é constante, repetitivo e maçante. Entretanto, há outras dificuldades nessa língua tão clássica e cheia de flexões herdadas do latim.

Igualmente, línguas preguiçosas preferem os modismos e ainda evitam o uso do futuro do presente, especialmente de alguns verbos como, por exemplo, “ querer, poder, fazer, dizer,” que geram “quererei, poderei, farei, direi”, este tempo geralmente é trocado por, “vou querer, vou poder...” sem problemas. Contudo, temos que tomar cuidado, como é o caso do ministro de minas e energia, Nelson José Hubner Moreira, durante uma coletiva: “a União nunca se desfazerá dessa instituição que gera bilhões”.

Portanto, a língua portuguesa deve ser tratada com seriedade pelo falante, e, não há necessidade de tais modismos importados que soam falsamente como sofisticados e que aleijam a língua comodista dos “falantes linguarudos” sendo que , essa língua é suficiente bela e sofisticada.

Wagner Ortiz

Todos os direitos reservados.
BN 178-2/299-3

Clube de Choro de São Bernardo do Campo

2011-10-13T11:10:00.000-03:00

O amigo Marcos Murilo de Almeida Passos, que foi um dos meus professores e quem me apresentou ao choro e MPB, sabiamente com a parceria da ONG Coração Brasileiro (Brazilian Heart) montou um projeto que pode mudar os rumos de como preservar e promover a música brasileira de qualidade. O Clube de Choro em São Bernardo do Campo, que documenta em vídeo toda a atividade musical de grupos instrumentais da região do ABC e São Paulo e desse maneira contribui para manter viva a história da música brasileira tão desprezada pela mídia capitalista que promove o lixo cultural. Não depois de outras tentativas como A Escola de Choro de SBC, que se estabeleceu por 2 anos, mas infelizmente não angariou verbas para sua continuidade e foi interrompida em 2005. Assim, o Clube do Choro de São Bernardo Campo é um projeto ousado que de certa forma dá continuidade ao trabalho com a música instrumental e troca de conhecimento, pois além registrar a atividade dos grupos em vídeos, o projeto incluí um Ponto de Cultura, onde acontece semanalmente (5as) as chamadas Rodas de Choro (escola da experiência), Saraus, etc. Além disso a ONG Coração Brasileiro (Brazilian Heart) que é dirigida por Mercedes Danielius, mantem o grupo ” Confraria do Choro ”, o único grupo fixo do Clube do Choro.

Instituído no ano de 2006 pela ONG Brazilian Heart por iniciativa dos alunos e professores que integravam a Escola de Choro Garoto (Aníbal Augusto Sardinha), O Clube do Choro de SBC, contou em sua inauguração com a presença dos músicos Canhotinho (Demônios da Garoa), Miguel (Três do Rio), Geraldo (Titulares do Ritmo), Marcos Murillo (Confraria do Choro), John Harbone, Rose Calixto, Evandro Benedito, Wagner Ortiz, Renan Bragatto, Lígia Passos, Denis Rosa, Eduardo Gebara , e também, dos representantes da Secretaria do Estado da Cultura de SP, Departamento de Ações Culturais de São Bernardo do Campo e contou também com a presença da Rede TV Mulher com a reportagem especial sobre as “mulheres no choro” , homenageando a grande compositora Chiquinha Gonzaga.

Site do Clube de Choro de SBC:

http://clubedochorosbc.org.br

Ponto de Cultura: Roda de Choro:

Todas as 5as a partir das 19:00

Local:

R. Margarida Gonçalves, 30 - Anchieta

São Bernardo do Campo - São Paulo, 09732-450

Quinteto Forma Brasileira opus 114b

2011-10-10T05:55:00.002-03:00

Apresento essa obra que retrata o Bumba Meu Boi do Maranhão escrita para flauta e quarteto de cordas. As partituras podem ser baixadas na área de downloads deste blog.

I present this work show the Bumba Meu Boi from Maranhão-Brazil, was written for flute and string quartet. The scorescan be downloaded in the download area this blog.

Entrevista com compositor Ubiratan Sousa à OSRádio (Alemanha)

2011-10-06T02:51:00.003-03:00

Ubiratan Sousa na TV Rural

Ubiratan Sousa é compositor. Cantor. Multi-instrumentista (toca violão, cavaquinho, baixo, guitarra, banjo, bandolim, flauta doce, viola de 10, acordeom, teclado e percussão). Arranjador. Produtor musical. Pesquisador de folclore. Professor de música, violão, cavaquinho, baixo, guitarra, banjo, bandolim, flauta doce e viola de 10. Instrumentista autodidata, estudou harmonia com Ian Guest. Tem mais de 600 composições, entre músicas gravadas e inéditas, de diferentes estilos (clássico e popular). Em 1962, começou a atuar no cenário artístico de sua cidade natal, ainda como músico amador. E defensor da cultura do Estado do Maranhão e um dos maiores conhecedores da cultura popular do Nordeste, além de especialista nos ritmos do Maranhão como Boi-Bumba, Crioula, Divino, etc.

Seus últimos trabalhos:

2002) Bruxaria • Independente • CD

(2000) Boi Pirilampo • Independente • CD

(1999) Eliéser Selton • Robi Discos • CD

(1996) A alegria do boi Bunininho • Independente • CD

(1994) Capital do boi • Independente • CD

(1994) Festival Canta Nordeste • Som Livre • CD

(1993) Festival Canta Nordeste • Som Livre • CD

(1992) Tempo certo • Independente • CD

(1990) Choro de pássaros • Independente • LP

1987) Rosa amor • Independente • LP

(1984) Tempo certo • Independente • LP

(1972) Pedra de Cantaria • Independente • LP

(1971) I Festival de Música Popular no Maranhão • Independente • LP

CANAL DO YOUTUBE:

http://www.youtube.com/user/1u2s3o4u5s6a

http://www.youtube.com/results?search_type=&search_query=Ubiratan+Sousa&aq=f

Para ouvir: http://ubiratan-sousa.euamomusica.com.br/

A entrevista foi realizada por Tânia G. Polmann pela OSRádio http://www.osradio.de/musik/

Ser político

2011-10-02T08:00:00.002-03:00

Velhos Políticos Brasileiros

MIM

ME PENSAR ME

PENSO EM MIM MESMO

PENSO EM ME PENSAR

PENSO E REPENSO EM ME PENSAR

PENSO EM RECOMPENSAR-ME

PEÇO PARA MIM

TEÇO PARA MIM

APETEÇO ISSO A MIM

RECOMPENSO A MIM

REPENSO EM ME PENSAR

RECOMEÇO A ME PENSAR

PENSO E REPENSO EM ME PENSAR

PENSO EM RECOMEÇAR A PENSAR

PENSAR EM MIM

ME PENSAR ME

MIM

(Wagner Ortiz)

Esse é um dos exemplos que serve de complemento aos dois posts anteriores sobre o "SER E TER", será queserá que os políticos do Brasil pensam no "SER", ou "TER"? As leis e projetos visam o "SER" ou "TER"? Ser político devia ser uma ação nobre, pois se entregar para ajudar a governar uma cidade, país, estado, etc. é ter responsabilidades e compromisso como o povo, ser complacente com os mais necessitados, justo e altruísta. "Político" devia ser um título para logo se associar a algo bom, de respeito, que promove a justiça e a ética. Porém se perguntarmos para as pessoas qual é a associação a maioria vai responder CORRUPÇÃO, ROUBO, DESTRUIÇÃO, FALCATRUA, TRAIÇÃO, DESOLAÇÃO, DESCASO, DESRESPEITO, etc. Por isso Reguffe fez o Brasil lembrar o significado de político, esperamos que continue com atos nobre como que notifico abaixo.

Vejam, enquanto a maioria dos safados lá em Brasília só criam leis e projetos para visando interesses e seus benefícios o deputado federal José Antonio Reguffe (PDT-DF), que foi proporcionalmente o mais bem votado do país com 266.465 votos, com 18,95% dos votos válidos do DF, estreou na Câmara dos Deputados fazendo barulho.

O homem teve a garra de quebrar os protocolos, "tiracolos", "deixacolos", e deixar muita gente estapafurdiamente de queixo caído. Segundo informações ele abriu mão dos salários extras que os parlamentares recebem (14° e 15° salários), reduziu sua verba de gabinete e o número de assessores a que teria direito, de 25 para apenas 9. E tudo em caráter irrevogável, nem se ele quiser poderá voltar atrás. Além disso, reduziu em mais de 80% a cota interna do gabinete, o chamado “cotão”.

Além disso, dos R$ 23.030 a que teria direito por mês, reduziu para R$ 4.600. Segundo os ofícios, abriu mão também de toda verba indenizatória, de toda cota de passagens aéreas e do auxílio-moradia, tudo também em caráter irrevogável. Sozinho, vai economizar aos cofres públicos mais de R$ 2,3 milhões (isso mesmo R$ 2.300.000,000) nos quatro anos de mandato. Se os outros 512 deputados seguissem o seu exemplo, a economia aos cofres públicos seria superior a R$ 1,2 BIlhão.

“A tese que defendo e que pratico é a de que um mandato parlamentar pode ser de qualidade custando bem menos para o contribuinte do que custa hoje. Esses gastos excessivos são um desrespeito ao contribuinte. Estou fazendo a minha parte e honrando o compromisso que assumi com meus eleitores”, afirmou Reguffe em discurso no plenário.

Porque os outros não fazem o mesmo?

Ser ou Ter, eis a questão 2! por Wagner Ortiz

2011-10-01T22:00:00.004-03:00

Salvador Dali

Amigo Bira, parabéns pelo ótimo texto e sensibilidade. Essa que nos leva a meditar e perceber que temos de pensar em "ser", mesmo que essa ideia seja rejeitada pela atual sociedade que cultua o capitalismo globalizado. Nessa nova sociedade, dos homo capitalis, as pessoas são levadas por poucas detentoras de capital a acreditarem nas ilusões e fantasias em detrimento dos valores e da verdade, assim surgem os interesses de massa e a arte que é baseada na sensibilidade de "ser" se transforma na arte do "ter", muito inferior a arte de verdade. Como a função da arte é complexa e muito importante na história da humanidade, fazer dela instrumento do "ter" causa um desacordo muito grande com as Leis Superiores, consequentemente estaremos num mundo mais pobre, cheio de ilusões, com menos consciência, com culto ao "ter", um mundo voltado para fora, a tal ponto que as pessoas idolatrem seus próprios corpos, como é o caso da busca pela beleza física exagerada de hoje. As pessoas se esforçam em academias para ter um corpo "sarado", mas têm um espírito doente, pobre, e desse modo o número de casos de suicídio e depressão vão às alturas.

Meu querido, o "ter" arruína a formação das crianças, pois essa dominação pelo "ter" as deixa a cada dia mais iludidas, mais centradas para essas conquistas fúteis, então as novas gerações ficam distanciadas da verdade de "ser", consequentemente o caminho ao "ser" mais difícil, elas menos sensíveis, ou seja, um bola de neve. Essa ideia podemos apreciar no belo filme SER E TER, de Nicolas Phillibert.

Essa onda do "ter" é tão persuasiva que até quem deveria ter a direção oposta começa a aderir a ideologia, assim as criticadíssimas igrejas, sobretudo as evangélicas, que deveriam pregar o "ser" e levar as pessoas a refletirem voltando-se para os seus interiores, cultuam a "Mamom", à prosperidade, ou então a busca exacerbada pelo sobrenatural, o milacuroso, assim o "ter" é o tema principal, portanto a prática de pensar no outro, do amor, refletir, volta-se para o "ser" e é cada vez mais substituída pela mentira.

Ainda nesse caminho, essa conversa me fez lembrar duas coisas legais para complementar o assunto, primeiro que o primeiro filósofo a colocar explicitamente o conceito de ser foi Parmênides de Eleia (500 AC). Que já tratava do tema como um paradoxo da existência onde "É e não é possível que não seja - não é e é necessário que não seja".

A outra é a relação do verbo SER com DEUS. O nome apresentado de Deus a Moíses foi Yahweh (Jeová) vem do verbo hebraico hayah, que significa “ser, estar, existir, tornar-se” e “acontecer”.

Cruzando as informações vemos a importância do conceito de “ser”. Para pensar melhor sobre essa relação, peço ajuda ao mestre judeu TZVI FREEMAN que passará explicar no artigo abaixo sobre a “fixação-nas-coisas” para entender o que é DEUS, ou seja, o que é “ser de verdade”. Acredito que quando entendermos de fato quem somos, iremos de encontro ao grande Ser que é Deus. Para quem acredita que aprender a SER é a lição mais importante vale a pena ler.

Teoria da “fixação-na-coisa”: Por Tzvi Freeman

Este é provavelmente, o principal desastre da sua infância – não ser desmamado, não ter deixado para trás as fraldas, não ter se sentado numa carteira na primeira série – mas quando você aprendeu sobre as coisas.

Não quero dizer “você aprendeu sobre as coisas do mundo.” Quero dizer, quando você aprendeu a ideia das coisas. Você aprendeu que o mundo é feito de coisas, objetos, itens materiais que simplesmente estão “ali”. Mais tarde na vida, você começou a correr atrás dessas coisas, acumulando-as, juntando mais e mais coisas para encher sua casa, seu quintal e sua garagem. Mas agora, o mundo inteiro foi reduzido em sua mente a nada além de um montão de coisas. Portanto, até mesmo D'us é definido como uma coisa – e você está tentando encontrar o lugar onde Ele encaixa. Porque, afinal, todas as coisas se encaixam em lugares.

Quando você acordou para a vida como uma criança pequena, não era assim. Não havia coisas. Havia apenas a experiência de ser. Ou de sentir, de viver, respirar e fazer. Gritar, mamar, arrotar. Essas eram todas coisas reais. Essas são vida. As coisas não são reais. Coisas são ficção. Elas não existem. Nós as inventamos.

O Nascimento das CoisasComo as coisas surgiram?

Eis aqui minha ideia sobre isso.

No princípio, não havia coisas. Toda a humanidade conhecia a vida como o faz uma criança pequena, ate à medida que elas ficam mais velhas e mais sabidas. Mas então alguém entrou em sua cabeça e desenhou todas as coisas que ele tinha. Por fim, os desenhos se tornaram hieroglifos, um recurso esperto para a comunicação esotérica. Os amantes do hieroglifo – como os sacerdotes de culto do antigo Egito – criaram milhares de hieroglifos para representar todas as coisas que o faraó estava acumulando. Logo a ideia evoluiu para a linguagem falada, também: a ideia de uma “coisa” – um instantâneo estático de uma coisa qualquer num momento congelado no tempo. Nasceram as coisas. E o mundo nunca mais foi o mesmo.

Provas? Porque no antigo hebraico bíblico, não há palavras para coisas. Ou coisa. Ou objeto nem algo semelhante. No hebraico primitivo, puro, você não diz: “Ei, onde está aquela coisa que eu coloquei aqui?” Você diz: “Onde está o desejado (chefetz) que eu coloquei aqui?” Você não diz: “Onde está aquela coisa?” – você diz: “Onde está aquela palavra?” Isso é o mais próximo que você pode chegar da ideia de coisa: uma palavra.

Tudo da realidade é feito de palavras. Olhe na história da Criação: O total do céu e da terra não é nada além de palavras.

Na verdade, no antigo hebraico, também não existem substantivos. Em idiomas como o inglês, os substantivos são os amos e os verbos são seus escravos, com adjetivos e formas associadas dançando ao redor para servi-los. Em hebraico, os verbos dominam. Grande, pequeno, sábio, tolo, rei, sacerdote, olho, ouvido – todos esses soam como coisas, mas em hebraico são formas de verbos. De fato, segundo Rabino Yeshayahu Horowitz (1560?-1630), autor do clássico Shnei Luchot HaBrit, tudo em hebraico é realmente um verbo. Tudo é um evento, um acontecimento, um processo – fluindo, movendo-se, nunca estático. Exatamente como quando você era uma criança pequena.

Em hebraico, não existe sequer um tempo presente. Há particípios, mas a ideia de um tempo presente somente surgiu mais tarde. No hebraico real, nada jamais é – tudo é movimento.

Isso se encaixa, porque o hebraico não foi escrito em hieroglifos. O hebraico foi o primeiro idioma que sabemos ter sido escrito com símbolos que representam os sons, não as coisas. Com o alfabeto hebraico – a mãe de todos os alfabetos – você não vê as coisas, você vê os sons. Até o processo de ler é diferente: quando você lê os hieroglifos, a ordem não importa tanto. Você apenas olha e tudo está ali. Até os hieroglifos do chinês moderno podem ser escritos em qualquer direção. Com um alfabeto, a sequência é tudo. Nada tem significado por si só. Tudo está no fluxo.

Pegue o Fluxo

O fluxo é real. As coisas não são reais. Pergunte a um físico: quanto mais examinamos as coisas – aquilo que eles chamam de matéria – vemos que não está ali. Tudo que realmente está ali são os eventos: ondas, vibrações, campos de energia. A vida é um concerto, não um museu.

Pense sobre escrever música, em oposição a pintar um retrato. O artista que pinta dá um passo para trás e contempla sua arte, sua reprodução imóvel de um momento congelado – e ele vê tudo de uma vez. Então ele pede educadamente ao modelo que por favor, volte à pose que estava fazendo, que agora se torna a principal realidade, o retrato. Um retrato daquilo que é, mas nunca foi.

Um compositor de música não pode fazer isso. Você não pode congelar um instante de música – ela desaparece assim que você tenta fazer isso. Como as coisas fictícias que chamam de matéria: congeladas no zero absoluto, sem energia, sem movimento, não existe mais. Porque na verdade, tudo que existe é o fluxo de ser.

O Nome

O fluxo de ser: agora você encontrou D'us. De fato, em hebraico, este é o Seu Nome. O Nome de D'us é uma série de quatro letras que expressam todas as formas do verbo de todos os verbos, o verbo ser: é, foi, sendo, será, a ponto de ser, fazendo ser, deveria ser – todas essas estão naquelas quatro letras do Nome de D'us. Como D'us disse a Moshê quando ele perguntou Seu Nome: “Eu serei aquele que Eu serei.”

Em nossos modernos idiomas, aquilo não funciona. Escorregamos rapidamente para a armadilha das coisas novamente. Quem é D'us? Respondemos: “Ele é Um que foi, é e será.”

Aqui vamos nós com a “coisa que é” novamente. Não, D'us não é uma coisa que é, foi ou será. D'us é em si mesmo. Uau! A frustração da linguagem. Precisamos de novas palavras: Endo, Serzice. Coisice. Coisificador. Em hebraico você pode conjugar o verbo ser em todas essas maneiras e outras. Talvez um dia em português, você faça o mesmo. Até então, somos como artistas usando as cores para imitar Rembrandt: como músicos tentando tocar ritmos do oriente médio em Dó Maior temperado.

E a prova: fazemos perguntas que somente têm sentido em português, mas em hebraico são totalmente absurdas. Como: “D'us existe?” Em hebraico, isso é uma tautologia, de alguma forma o equivalente a “A existência existe?”

Não há necessidade de “acreditar” neste D'us se você sabe sobre o que estamos falando, você simplesmente sabe. Você saberá, também, que não há nada além desse D'us – o que há além do ser?

Quando à fé e crença, essas estão reservadas para coisas maiores. Como acreditar que essa grande Serzice que tudo faz sabe, tem compaixão, pode entender. Em outras palavras, dizendo que a realidade é uma experiência carinhosa. O que reduz a dizer que a compaixão é real, o propósito é real, a vida é real. Isso é algo que você tem de acreditar. Mas a existência de D'us – como a maioria das ideias sobre as quais os homens debatem – é apenas uma questão de semântica.

Pense simplesmente: Você acorda pela manhã e, antes mesmo do café, há. Realidade. Existência. Não “as coisas que existem”, mas a existência em si. O fluxo. O infinito fluxo de luz e energia. De ser, da existência. De é. Pense em todo aquele fluxo num único ponto, perfeito e simples. Entre nele, fale com ele, torne-se um com ele – isso é D'us.

Fonte

http://www.chabad.org.br/biblioteca/artigos/queDus/home.html

Ser ou Ter, eis a questão! por Ubiratan Sousa

2011-09-30T02:51:00.000-03:00

Prezados amigos.

Ser ou Ter?

Essa questão é bem sutil e ao mesmo tempo importantíssima na definição de nossas vidas.

Se fossemos traçar 2 planos comparativos, diríamos que um deles se baseia numa ilusão e outro numa realidade;o ter, que corresponde a ilusão, geralmente é baseado em conquistas materiais, como dinheiro e fama, por exemplo, pertencem a este mundo e teremos que deixar neste mundo quando a foice da morte nos tocar, não é duradouro e pode ser conseguido sem nenhum mérito e até contrariando as leis, sejam materiais ou espirituais.Se aplica a diversos setores de nossas manifestações, profissões,etc...

Vamos puxar para a nossa profissão, a de músico.

Os mais lúcidos conseguem perceber que as nossas vidas são dirigidas por uma massa de sugestões, a todos os momentos e que pouquíssimas vezes agimos por nossa própria conta. Há casos em que essas sugestões são atendidas de pronto, como uma propaganda sobre comida ao passar na Tv nos faz ir abrir a geladeira. Há outras que não percebemos, mas dirigem as nossas ações e sabemos que a maioria de nós vive em função da aprovação dos outros...as fantasias em nossas vidas são inúmeras e chegamos a nos considerarmos importantes pelas conquistas das coisas deste Mundo, mesmo que não tenhamos a capacidade desenvolvida; podemos ser famosos, mas sermos incompetentes no assunto. Explico:um artista que faz um sucesso, como desses intérpretes principais dessas bandas de Pop/Rock pode se achar importante, e iludido, se achando o máximo, mas na verdade é limitado, pouco criativo, repetitivo, com pouca capacidade musical desenvolvida.Aos olhos do Mundo é uma sumidade, recebe aplausos, prêmios, mas se se voltar pra si mesmo, se fizer uma reflexão vai perceber que está iludido.Olha, em volta de si outros muito mais capazes e alguns até sentem vontade de ter a capacidade desses mais capazes, mas não tem.Vi uma demonstração dessa questão, do "outro", pelo Zezé de Camargo.

O que dá um certo alívio àquele que percebe o seu estado de fantasia é a grana, a fama, mas, mesmo assim, sabe que a morte o obrigará a deixar essas conquistas, isto quando não as perde em vida (o sucesso passageiro).

Do ponto de vista da evolução, essa linha que caminha numa direção crescente de aprimoramento, esses ganhos do ter , pouco representam, pois esses elementos não elevam a capacidade do detentor.Não levará quase nada pro outro plano, quando morrer.E pra quem acredita na reencarnação, voltará sem uma capacidade musical desenvolvida e terá que recomeçar tudo de novo, até se convencer de que o ser é mais importante do que o ter.

Muitos nem dividem com o próximo as suas conquistas e outros acumulam suas riquezas pra gastarem na velhice e pimba, vem a morte e não usufruem.

Aqueles desqualificados que estão atrás de quantidade de público estão totalmente desorientados, iludidos e topam qualquer parada pra conseguirem seus objetivos.Geralmente seu público é desqualificado ou imaturo e fica a pergunta: que valor, que satisfação alguém teria se percebesse que é um desqualificado e estimula a outros tantos a se estagnarem ouvindo seus trabalhos medíocres, sucessos conseguidos por meio de jabás e outras manobras?

Nós sabemos que quanto maior o número de pessoas em volta de um trabalho musical, ou de qualquer um outro tipo, mais fantasia e ilusão existe em torno dele.Daí concluir-se que a quantidade não é mais importante do que a qualidade da obra pois o autor sabe, compreende que seu público, embora menor é mais inteligente, qualificado.

Vocês acham que um Chico Buarque gostaria de ser um Roberto Carlos? Duvido!Sabemos que o "sucesso" do Roberto é maior, mas o Chico é mais competente e jamais iria baixar seu nível em troca desse "sucesso" ilusório que falei, acima...!

O Mundo está cheio de exemplos dos que optaram pela qualidade, pelo "ser" e são imortais e continuam influenciando pessoas lúcidas, inteligentes, menos iludidas.

O "ser" tem qualidades que nada as faz desaparecer , nem a morte, pois leva esse registro para o outro plano e trás de volta, numa próxima manifestação, aqui na Terra.

Existe o "ser" das coisas do Mundo terrestre, o que já é mais importante do que o "ter" e existe o "ser" das coisas espirituais, das coisas de Deus, que é o auge.

Aquele que já percebeu que está aqui de passagem passa a se interessar menos pelo "ter" do que pelo "ser" e os ainda mais lúcidos, os que descobriram o valor do "ser" espiritual se interessam, ainda menos pelo "ter".

Quanto mais ilusão tivermos, mais nos inclinaremos para o "ter" e as nossas obras, provavelmente serão menos qualificadas do que as do que contempla o "ser".

Portanto, cabe a cada um escolher:ser ou ter e arcar com as consequências...

Abraços a todos.

Ubiratan Sousa.

Flaututti

2011-09-15T00:48:00.002-03:00

É Finado Flaututti?

Como, se ao menos se findou a alegria?

Precisa é sacudir as fadas

E nessas horas tamanhas

Abrir uns versos faceiros

Soltar buscapé no ensaio

Tirar a poeira das flautas

Limpar o café do bico

Deixar a moleza ir embora

Abrir a partitura com esmero

Tocar para os passarinhos!

Pois melhor plateia não há!

(Wagner Ortiz)

Para nosso quarteto de flautas que anda sem ensaios.

A Palavra Ri

2011-08-24T08:12:00.000-03:00

Palavra cerrada fala

De versos anis, azuis,

De tempo e confusa forma

Das linhas que escrevi

No espaço dos espelhos

Nos reflexos de buquês

Em fio de navalha

Em refrações caóticas

No vazio mudo, silêncio branco

Que a tinta a folha talha.

Palavra seja coberta,

Descoberta, curta ou profusa

Da pena à tela martela.

E a forma serena torna

As linhas em versos se fazem

As letras em pétalas de rosas.

Perfume de cores, exóticas.

Som perfeito, música,

A boca se abre completa

E a palavra em riso se torna.

http://homolitteras.blogspot.com/
Biblioteca Nacional - Lei 9610/88
©Wagner Ortiz - reg. 178-3/299-3

Ao professor Raul ArriagadaCasa

Violência

2011-08-20T13:25:00.000-03:00

De http://democratizandoosaber.blogspot.com

Violência

Tapa...

Volita na face, estrala.

Despeja insana saraiva.

Troveja, pois, toda a raiva.

Irrita, faz da mente vassala.

Bala...

Voa sem rumo, escrava.

Dói sem pena, da tela.

Rói com dolo, martela.

Soa com luto, recrava.

Matar...

Ato ferino, feito ferida

Traga a razão, desfaz o laço.

Adaga fina, ceifa da vida,

Fato interino do nosso fracasso.

©Wagner Ortiz

Reg. BN 178-2/299-3

A mente e a imaginação

2011-08-19T09:18:00.002-03:00

"Imaginação é tudo, é a prévia das atrações futuras";

“A imaginação é mais importante que o conhecimento. O conhecimento é limitado. A imaginação envolve o mundo.Eu sou suficientemente artista para desenhar livremente na minha imaginação. Imaginação é mais importante do que o conhecimento. O conhecimento é limitado. A imaginação abraça o mundo inteiro, estimulando o progresso, dando vida à evolução.”— Albert Einstein

As famosas falas de Einstein convence o homem cada vez mais que o caminho para ótimas ideias é a imaginação. Na verdade o que o grande físico quis dizer é que o conhecimento deve ser usado criadoramente, pois sua força potencial não tem limites. Hoje há possibilidade de acessar muita informação com apenas um clique, o conhecimento está espalhado por todos os lugares, se democratizou graças à revolução tecnológica e sobretudo a difusão da internet, porém tais cérebros eletrônicos e sites são incapazes de produzir qualquer ideia. Está tudo no ar e funcionando (graças à imaginação de outros), porém temos que aprender, significar e usar tudo para criar mais. Não adianta todo esse conhecimento democratizado se não há sua absorção pelas mentes, pois há necessidade de existir a mediação desse conhecimento, nos mais difusos processos, para que seja significativo, forme visão de mundo, torne o indivíduo sensível, espiritual, aguçado e crítico, além de tornar esse em um especialista, fazê-lo capaz de expandir o conhecimento e ter o auto-conhecimento.

No Popular, a imaginação é encarada como mera fantasia. Como algo que não ajudará a criança a passar no vestibular ou reproduzir os métodos ensinados, e por esse motivo, crianças são reprimidas pelos professores no exato momento em que sua atenção se desvia do monótono conteúdo programático das aulas e se volta para a dinâmica da sua própria imaginação. Contudo, hoje sob os novos conhecimentos pedagógicos, deve-se cada vez mais promover atividades desafiadoras para os alunos, momentos para que usem apenas a imaginação criadora.

O escritor Alex. F. Osborn, em sua obra "A força oculta", de 1971, em capítulo dedicado a imaginação simplifica sob ponto de vista funcional 4 propriedades de nossas habilidades mentais criativas:

1. Absortiva - habilidade de observar e de aplicar a atenção;

2. Retentiva - habilidade da memória em gravar e lembrar;

3. Raciocinativa - habilidade de analisar e julgar;

4. Criadora - habilidade de visualizar (ou ver mentalmente), prever e gerar ideias.

A belos exemplos da atividade criadora usada com imaginação, um exemplo musical é Bizet, que nunca foi à Espanha, mas no entanto criou uma obra prima ao escrever a ópera Carmem e as duas suites que retratam a Espanha. Talvez, de tantos defeitos que o homem possui, a imaginação seja uma espécie de redenção, ou melhor, a única parte boa realmente, que pode ser a única coisa perfeita que se justifica a afirmação na Gênesis na semelhança entre Deus e o Homem. A imaginação é simplesmente perfeita!

Ainda falando de exemplos da capacidade imaginativa usada de forma criadora, não há coisa mais incrível que a invenção da gastronomia. O homem evoluiu de simples sementes e raízes, para pratos sofisticados e saborosos. Não foi pouco para se descobrir tudo que se pode comer e o que não pode, como plantar, colher, cozer, preparar, combinar, e até hoje ainda se descobre, pois a cada dia se inventam novos alimentos e formas de prepará-los.

Na nossa sociedade a imaginação geralmente é forçada a funcionar, gerando explosões de ideias novas e melhoramentos na ideia antigas, isso se deve em parte pois desde a entrada da concorrência no mercado produtivo o homem tem que produzir respostas criativas e rápidas. Além disso, quando diante de problemas a necessidade do esforço criador, como é o caso de epidemias, catástrofes, etc. Nesses casos o maior aliado da imaginação é a pesquisa, assim nascem inúmeros estudos científicos com o objetivo de resolver problemas.

Ainda falando do esforço criador, o séc. XXI tem se mostrado um dos maiores desafios da mente humana, pois os problemas globais são tantos que nesse momento crítico em que o mundo sofre com as consequências de outros inventos como a poluição, o aquecimento global, cidades superlotadas, etc. o homem tem a tarefa de usar a imaginação criadora para resolução dos mesmos. Assim vimos diversas hipóteses que foram formuladas para resolução dos problemas atuais, além de novas técnicas sendo usadas e um número cada vez maior de pesquisas sendo realizadas, um exemplo é a tecnologia verde, imaginada para diminuir o impacto da poluição no meio ambiente.

A imaginação é um tema muito amplo para se destrinchar, porém é fácil comprovar como é importante para o homem o pensamento criador para transformação do mundo e da sua vida. Portanto, seja na vida pessoal, financeira, em comunidade, etc. o homem precisa organizar esse mundo, contribuir e melhorá-lo a cada dia.

Conclusão

O valor de um homem deve medir-se pelo que dá e não pelo que recebe. Não se converta em um homem de sucesso senão num homem de valores. (Einstein)

"A árvore que produz maus frutos não é boa e a árvore que produz bons frutos não é má; - porquanto, cada árvore se conhece pelo seu próprio fruto. Não se colhem figos nos espinheiros, nem cachos de uvas nas sarças. - O homem de bem tira boas coisas do bom tesouro do seu coração e o mau tira as más do mau tesouro do seu coração, pois a boca fala do que está cheio o coração." [S. LUCAS, cap. VI, vv. 43 a 45.] (Jesus)

Neste vídeo Terence Mckenna amplia ainda mais essa visão e fala sobre a imaginação como um receptor de informação proveniente de um espaço não-local da experiência que fazemos parte. Algo que se torna cada vez mais forte e presente ao longo do tempo.

Russolo: futurismo e pancadaria

2011-08-18T18:07:00.001-03:00

Geralmente digo que para entender a música do mundo é necessário se abster dos rótulos e pré-conceitos, assim deixar que os conceitos sejam ampliados, unindo-os e nunca rotulando-os. Muitos compositores procuram arte nas mais diversas culturas do planeta e incorporam elementos dessa riqueza cutural em seus trabalhos que por sua vez geraram obras primas. Basta ouvir o Choro 10 de Villa-Lobos para se conscientizar disso, é tão interessante o uso de outros elementos por Villa que até hoje muitos percussionistas sofrem para aprender a tocar os instrumentos anotados por ele, além do desafio de tocá-los, há o desafio de fazê-los. No caso de Luigi Russolo, amante do ruído, achei interessante a história, vejam os recortes da tese de Hashimoto a reação do público para com sua música futurista.

Recorte de: Hashimoto Almeida, F L. Analise musical de "Estudo para instrumentos de percussão", 1953, M. Camargo Guarnieri; primeira peça escrita somente para instrumentos de percussão no Brasil. Unicamp 2003 - Pgs. 30-31

Luigi Russolo - Veglio Di Una Città (from "Die Kunst der Geräusche")

Luigi Russolo (30 de abril, 1885 - 4 de Fevereiro de 1947 (61 anos)) foi um pintor e compositor Itáliano, futurista e o autor daL'Arte dei Rumori (A arte do ruído) (1913) e Música Futurista.

Intonarumori, instrumento criado por Russolo para produzir ruídos, para ele havia uma realidade muito ruidosa e isso não poderia ser ignorado em sua música.

Vídeo Informativo

"Não pago pedágio em lugar nenhum"

2011-08-15T19:24:00.002-03:00

E então? A advogada está certa? O CIDE é mesmo destinado aos reparos das estradas, já pagamos pedágio ao encher o tanque? Então estamos pagando pedágio quando não usamos as estradas? O pedágio e a privatização tem base legal? E o que dizer do espaço aéreo, pagamos pedágio para voar? Bem, acho que merece no mínimo um exame, e, especialistas devem esclarecer a população.

Aluna de 22 anos afirma: "Não pago pedágio em lugar nenhum"

O texto está correndo o Brasil! LEIA:

06/06/2011

"A Inconstitucionalidade dos Pedágios", desenvolvido pela aluna do 9º semestre de Direito da Universidade Católica de Pelotas (UCPel) Márcia dos Santos Silva choca, impressiona e orienta os interessados.

A jovem de 22 anos apresentou o "Direito fundamental de ir e vir" nas estradas do Brasil. Ela, que mora em Pelotas, conta que, para vir a Rio Grande apresentar seu trabalho no congresso, não pagou pedágio e, na volta, faria o mesmo. Causando surpresa nos participantes, ela fundamentou seus atos durante a apresentação. Márcia explica que na Constituição Federal de 1988, Título II, dos "Direitos e Garantias Fundamentais", o artigo 5 diz o seguinte:

"Todos são iguais perante a lei, sem distinção de qualquer natureza, garantindo-se aos brasileiros e aos estrangeiros residentes no País a inviolabilidade do direito à vida, à liberdade, à igualdade, à segurança e à propriedade " E no inciso XV do artigo: "é livre a locomoção no território nacional em tempo de paz, podendo qualquer pessoa, nos termos da lei, nele entrar, permanecer ou dele sair com seus bens".

A jovem acrescenta que "o direito de ir e vir é cláusula pétrea na Constituição Federal, o que significa dizer que não é possível violar esse direito. E ainda que todo o brasileiro tem livre acesso em todo o território nacional O que também quer dizer que o pedágio vai contra a constituição".

Segundo Márcia, as estradas não são vendáveis. E o que acontece é que concessionárias de pedágios realiza contratos com o governo Estadual de investir no melhoramento dessas rodovias e cobram o pedágio para ressarcir os gastos. No entanto, no valor da gasolina é incluído o imposto de Contribuição de Intervenção de Domínio Econômico (Cide), e parte dele é destinado às estradas.

"No momento que abasteço meu carro, estou pagando o pedágio. Não é necessário eu pagar novamente Só quero exercer meu direito, a estrada é um bem público e não é justo eu pagar por um bem que já é meu também", enfatiza.

A estudante explicou maneiras e mostrou um vídeo que ensinava a passar nos pedágio sem precisar pagar. "Ou você pode passar atrás de algum carro que tenha parado. Ou ainda passa direto. A cancela, que barra os carros é de plástico, não quebra, e quando o carro passa por ali ela abre.

Não tem perigo algum e não arranha o carro", conta ela, que diz fazer isso sempre que viaja. Após a apresentação, questionamentos não faltaram. Quem assistia ficava curioso em saber se o ato não estaria infringindo alguma lei, se poderia gerar multa, ou ainda se quem fizesse isso não estaria destruindo o patrimônio alheio. As respostas foram claras. Segundo Márcia, juridicamente não há lei que permita a utilização de pedágios em estradas brasileiras.

Quanto a ser um patrimônio alheio, o fato, explica ela, é que o pedágio e a cancela estão no meio do caminho onde os carros precisam passar e, até então, ela nunca viu cancelas ou pedágios ficarem danificados. Márcia também conta que uma vez foi parada pela Polícia Rodoviária, e um guarda disse que iria acompanhá-la para pagar o pedágio. "Eu perguntei ao policial se ele prestava algum serviço para a concessionária ou ao Estado.

Afinal, um policial rodoviário trabalha para o Estado ou para o governo Federal e deve cuidar da segurança nas estradas. Já a empresa de pedágios, é privada, ou seja, não tem nada a ver uma coisa com a outra", acrescenta.

Ela defende ainda que os preços são iguais para pessoas de baixa renda, que possuem carros menores, e para quem tem um poder aquisitivo maior e automóveis melhores, alegando que muita gente não possui condições para gastar tanto com pedágios. Ela garante também que o Estado está negando um direito da sociedade. "Não há o que defender ou explicar. A constituição é clara quando diz que todos nós temos o direito de ir e vir em todas as estradas do território nacional", conclui. A estudante apresenta o trabalho de conclusão de curso e formou-se em agosto de 2008.

Ela não sabia que área do Direito pretende seguir, mas garante que vai continuar trabalhando e defendendo a causa dos pedágios.

FONTE: JORNAL AGORA

Comentário: E agora, como fica a situação. Quem vai apoiar a advogada?... Ministério Público?... Movimento popular?...

Ela sozinha não vai conseguir convencer o poder constituído.

Como baixar partituras e arquivos do 4Shared - How do download sheets and files from 4Shared

2011-08-15T04:52:00.000-03:00

Para evitar baixar coisas erradas e abrir propagandas inconvinientes aprenda como baixar as partituras e arquivos do 4Shared: (How do download sheets and files from 4Shared)

1. Escolha a partitura na lista e click no link; (Choose the score and click on the link)

2. Ao abrir a página click no BOTÃO AZUL somente; ( When you open the page click on blue botton)

3. Aguarde os segundos e click no novo link e salve: (Wait and click on the new link and save)

Muito obrigado pelo interesse nas minhas obras!

Workshops e improvisação livre: caminhos da música.

2011-07-21T01:39:00.005-03:00

Wagner Ortiz

compositor, poeta, flautista e professor

Falar do tema “improvisação livre” exige profundidade, e o básico para discuti-lo com propriedade são os conhecimentos dos modelos de improvisação e música aleatória, além dos conceitos dos respectivos criadores que foram introduzidos no século XX por Cage, Koellreutter, Stokenhauser, entre outros. Entretanto, no que foi exposto, além da questão conceitual, há a questão de ordem pedagógica, ou seja, sobre como usar esses modelos e conceitos para o ensino, o que exige o estudo aprofundado de autores como Kodaly, Koellreutter, Schaffer, entre outros, o que seria necessário para resolver o problema de objetivos de ensino com a prática de improvisação. Contudo, ainda há outro problema de ordem social, a discussão sobre a adequação do projeto à região do Nordeste, já que o nível de pobreza é mais acentuado e as pessoas necessitam de coisas básicas como transporte escolar e merenda. Para completar o quadro caótico da discussão ainda há a questão da “FANTASIA”, já que muitos se aproveitam da ingenuidade e falta de cultura do povo para se aproveitar da situação, infelizmente essa fantasia tem o apoio das mídias capitalistas e de outras instituições interesseiras que formam sua rede stricta ou, as famosas “panelinhas”.

Da questão conceitual, não é de se espantar do desconhecimento desses modelos e conceitos, até por não agradar a maioria, por ser estranho ou diferente. Prates explica a dificuldade de assimilação da seguinte forma, “pode-se afirmar, sem juízo de valor, que a música de vanguarda em geral impõe algumas barreiras ao ouvinte leigo em função da complexidade de sua linguagem. A principal razão para essa dificuldade encontra-se na própria abertura simbólica desse tipo de obra.”, mas o artista também tem a dificuldade de apresentar o novo, pois “A dificuldade em se expressar [do artista] através de códigos ainda mais complexos que os do romantismo, especialmente para um público fruidor doutrinado e alienado pela mídia de massa” (Prates, 1998:39), entretanto, a negação desses conceitos como forma de expressão, anulando-os pela preferência de outros gera pré-conceitos, então surgem os rótulos nos quais o ser humano fica alienado rapidamente. Porém, há homens que trilharam, ou trilham, por um caminho poli-ideológico, à base Gestalt, pois com a complexidade desses novos códigos e a sua integração à pluralidade de culturas e a realidade os inspiram a criar outro caminho. Isso é tema para uma ampla discussão, porém para sintetizar, usando uma paráfrase à Pierre Schaffer, completa-se que, o elemento desses caminhos, além de revolucionário e ter dado vida a novos instrumentos, revolucionou o ouvido musical, sendo possível torná-lo consciente de coisas que nunca pudera utilizar.

Sobre a questão pedagógica e a improvisação livre, cabe aos professores e educadores a serem cada vez mais capacitados e informados, mas o que na realidade não ocorre. A improvisação vem sendo usada no desenvolvimento de crianças há muito tempo, assim basta ler as centenas de obras e artigos sobre, porém alguns compositores também se destacaram como pedagogos musicais e desenvolveram seus modelos de improvisação. Geralmente, a criança sente o processo como um jogo, que pode ser espontâneo ou educativo, pois nele o objetivo é que a criança ganhe experiência e desenvolva a autonomia, pois segundo Werri e Ruiz (2001), “A educação formal limita as possibilidades de fantasia e de liberdade criativa. Dá respostas certas, anulando a experimentação e a formulação de hipóteses pelas próprias crianças. Ignorando o fato de que as crianças pensam e que devem ser estimuladas a isso”. Portanto, nos cernes da atual pedagogia se acredita em um sistema de liberdade, onde o conhecimento e o pensar do aluno também são válidos para se construir conhecimento, tornando-o também autor no processo de aprendizagem. Zimmerman diz o seguinte: “Para adquirir conhecimento musical no sentido piagetiano, uma criança deve atuar criativamente sobre seu próprio ambiente sonoro.” Quantos aos objetivos devem estar concernentes às propostas, gerar estímulos, promover expressão, desmistificar mitos, acabar com pré-conceitos, mas nunca o contrário, pois então a ferramenta seria usada de forma errada.

Já a questão social, claro que todo tipo de ensino há de ser adequado conforme cada região, isso está nos PCN (Parâmetros Curriculares Nacionais) e na LDB (Lei de Diretrizes e Bases da Educação), pois a pluralidade de cultura no país é assustadora, assim não é correto vislumbrar uma cultura em detrimento de outra. No caso da improvisação livre como instrumento pedagógico deve ser apoiada desde que atenda aos parâmetros e contribua para o desenvolvimento. Agora, realizá-la de forma irresponsável, sem continuidade, sem acompanhamento dos educadores e sem que os alunos sejam integrados à escola não é a prática recomendada, assim realizar um Workshop surpresa com o tema sem antes contextualizá-lo e dar a ele direção é sem dúvida uma arbitrariedade.

Finalmente se enfrenta a questão da fantasia. É por pura incompetência e ignorância que ela existe, pois nesse século onde a produção cultural está sendo direcionada para as massas, se cria arquétipos, heróis e deuses artísticos baseados apenas na mentira, incompetência e interesses. Depois que foi inaugurada a Era do Workshop e Vídeo Aula, há uma massa mirabolante e predatória que visa arrancar o dinheiro de pessoas com pouca instrução e sem acesso ao ensino musical de qualidade, dessa maneira a inúmeras produções que prometem “Deus e o mundo” como aulas de violão em quarenta dias, etc. Infelizmente o ser humano é movido a dinheiro. Assim esses workshops são muitas vezes só um bate papo com uma personalidade, mas não acrescentam nada, pois suas estrelas se sentem bem com uma massagem egolátrica, e enquanto se sentem no trono, pessoas cheias de expressividade e talento, conhecedores da cultura popular são esquecidos tendo até que decretar a morte de seu legado, como é o caso de Arlindo do Boi Capricho no Pará, e isso quando não ocorre o popular “pagar pau pra gringo”.

É entediante a reação que esboçam os responsáveis pela ordem cultural no país, e parece que não há defensores dessa ordem por medo da “extirpação” e comprometimento, mesmo que futuro, dos seus “tronos midiáticos”. Consequentemente, elogiar o feio e ridículo (mal feito e pobre culturalmente), parece ser normal para si garantir. Quem ameaça a perder o trono? Assim, recentemente, os músicos comemoram a volta da música no currículo escolar, porém mesmo que limitada à disciplina de Artes e ministrada por esses professores como bem entenderem, mas poucos (dos que tem condições) se manifestam propondo soluções, cobrando mudanças e se manifestando publicamente. Assiste-se a entrevistas com maestros, críticos, poetas, etc. mas, que não discutem o problema da realidade musical e cultural do país. Isso deveria ser cobrado da e na mídia (espaço do povo), mas como? Ela é alimentadora da fantasia! E alguns comemoram essa situação tosca da música no currículo escolar mesmo depois de um silêncio de 40 anos após a ditadura e do comodismo das escolas particulares!

Vídeo base: http://youtu.be/rnMuZUgAJMs

Bibliografia

Figueró C. Influência da Gestalt theory na pré-composição da peça "Canela-Gamboa" Artigo eletrônico publicado em Scribd, acesso em 20/07/2010 em: http://pt.scribd.com/doc/11585091/Artigo-Gestalt

FREIRE, Paulo. Pedagogia da autonomia: saberes necessários à prática educativa. São Paulo : Paz e Terra, 1996.

Gainza V.H. A improvisação musical como técnica pedagógica. Publicação eletrônica, acesso em 20/07/2010 em: http://www.atravez.org.br/ceem_1/improvisacao_musical.htm

PIAGET, Jean. O julgamento moral na criança. São Paulo: Mestre Jou, 1977.

Prates E. Hipermúsica: a Planimetria como técnica hipersígnica de composição musical. Texto a ser apresentado no IV Congresso Internacional Latino-Americano de Semiótica (La Coruña-Espanha 1999) Acesso em 20/07/2010 em: http://homolitteras.blogspot.com/2011/05/hipermusica-planimetria-como-tecnica.html

Ruiz R.A; Werri A.P. S. Autonomia Como Objetivo Na Educação. Ano I - Nº 02 - Julho de 2001 - Bimensal - Maringá - PR - Brasil - ISSN 1519.6178 Acesso em 20/07/2010 em: http://www.urutagua.uem.br//02autonomia.htm

Cale-se?

2011-07-11T05:22:00.001-03:00

Ilustração: Drooker

Diante da mundial crise cultural que também vem assolando o nosso país, desde a de década em que ser artista, músico, compositor e cantor passa a ser uma manifestação banal visando os puros interesses comerciais e diante disso inaugurada uma "mídia mequetrefe" promotora de "lixo cultural", se concretiza com esse vigésimo segundo prêmio da MPB, de modo lamentável, a total estiolação da arte criativa e musical do país em nome da fantasia capitalista e interesses mesquinhos. Toda essa mídia iconoclasta liderada pela Globo, rouba o mérito dos verdadeiros talentos, não poucos no Brasil, e promove, como vem sendo discutido nessa lista, uma desenfreada desvalorização da arte em geral em detrimento da própria arte de "formas imutáveis" e da cultura de massa, além de "expugnar" aqueles que ousam falar contra (e por isso omissos nessa lista com medo de perder espaço) esse nefasto sistema que promove a ignorância como se fosse algo nobre, a mediocridade como se fosse poesia e a mentira como se fosse verdade. Assim, o cataclismo cultural está instaurado, premiado, assim como no cenário político, e, infelizmente, pouco se houve de pensamentos que possam abrir algo solucionador ou denunciador, pois há um eterno silêncio pernicioso que não deixa a cidadania existir e quem paga é a educação, a arte, os valores morais, etc.

Crê-se não ser necessária a explicação do termo "lixo cultural", pois a lista conta com cultos e artistas que já debateram o assunto, contudo se tem a noção de tudo que inverte a verdade por mentira, fatalmente será "abominação cultural e social". Assim, depois de o país assistir ao nascimento de tantos gênios e talentos, grandes poetas, pintores e artistas de toda espécie, especialmente empenhados a defender uma cultura genuína, assiste-se a quase extinção do elemento criador em toda arte: a criatividade. Morta simplesmente pela ganância e interesses de poucos. O que há de novo e inspirador para se premiar na arte do Brasil? Moldes que são repetidos e passado de geração em geração, do cantor pai para o cantor filho? Novas roupagens de obras musicais emboloradas sem nenhuma criatividade? Que proveito há em se premiar um mesmo cantor ou trabalho doze vezes? Isso é promover a criatividade? Mas, já dizia Jean Baudrillard, " a realidade é um simulacro". Pelo menos diante desse "show de horrores" que foi o 22 prêmio da MPB, ainda subsisti, pois não tem como ser ignorados pela monstruosidade de sua criação, talentos como Hamilton de Holanda, Mehimari e Yamandu Costa.

Quanto a exclusão dos pensadores e denunciadores desse império mercadológico de cultura de massa, não é de se assustar, pois mesmo na Grécia antiga, pensadores que não aceitaram ser corrompidos foi exilados e mortos, aleijando qualquer tipo de cidadania e movimento. Hoje há claramente três classes de artistas, os que se corrompem aceitando prêmios como esse, os que se calam mediante a mediocridade e os que nem são citados, pois são indigentes da arte, pois se recusam a aceitar essa triste inversão de valores. Portanto, pode-se decretar também a morte da sensibilidade, pois tê-la é pedir para ser expugnado do meio artístico.

Para não se entender se finda a crítica com o seguinte texto que coloca cada um diante de uma decisão:

AFASTA DE MIM ESSE CALE-SE (Chico Buarque)

CALE-SE E COLOQUE A CARAPUÇA (XABIOA)

Wagner Ortiz

Flautista e Compositor

AS ARTÉRIAS DA PEDRA by M.Chamie

2011-06-16T03:57:00.000-03:00

AS ARTÉRIAS DA PEDRA

A pedra não filosofa.

Ela bloqueia no seu bloco

de pedra o pensamento

e a sua corda.

A pedra não acorda as coisas

nem dá corda

para metafísicas plangentes.

No seu bloco bloqueado,

a pedra dispensa a ânima

e o ânimo do fluxo líquido

das correntes.

A pedra não corre.

Ela se estaca

e se adensa

no lugar em que se assenta.

Quieta,

a pedra é menos lição

e mais experiência.

Contra ela batem coisas,

batem ventos

e batem outras pedras

diversas.

Mas ela não se move

nem se dispersa

em sua imóvel

siesta.

Nem no sono de sua siesta,

a pedra regurgita por dentro

algum pétreo

som de estômago.

Ou algum flúor

indômito

de qualquer ânsia

de vômito.

A pedra não metaboliza

nem expulsa seus alimentos

nos íntimos arcanos

de seu templo.

Ela concentra nos intestinos

de sua natureza

a cúpula fechada

e a argamassa espessa

de sua igreja.

Isto porque a pedra

mais dorme

do que come.

E o sono dela não é nem sonso

nem elétrico.

Seu sono de pedra

não é o sono épico

ou lírico

de um homem que sonha leve

e aceso.

Bem ao inverso,

seu sono,

de chumbo eterno,

é um sonho paralítico

e paquidérmico.

Tanto que,

silêncio calmo,

as artérias da pedra

são átomos

que, dentro dela,

não se explodem,

compactos que são

em seus ásperos

conformes.

Pois esta é a ciência

de seu nome: - a pedra

não tem as artérias

das árvores,

nem as artérias de nosso corpo

plantado nas veias

de nossa carne.

Dessa ciência,

a diferença nasce,

magna e plena,

entre a pedra

(com o minério esquivo

do seu todo exposto)

e a nossa carne

(com o mistério vivo

no peso de nosso corpo).

Por isso,

a diferença da ciência

da pedra

está no confronto

pronto de suas artérias.

E a diferença é esta:

- As artérias da pedra

só se fixam no todo

dos seus átomos exangues

e impávidos.

Assim inerte,

a pedra inscreve

o império

de seu monólogo fechado.

- As artérias do corpo,

ao contrário,

só se movem na carne

do nosso sangue

e seus intrépidos coágulos.

Assim ativa,

a carne aviva

o espelho

de seu diálogo sangrado.

Autor:
Mario Chamie

Ondas Martenot

2011-06-13T23:03:00.001-03:00

Com a era dos aparelhos elétricos resultado das intensas pesquisas no séc. XIX, nasce um instrumento único a base oscilações elétricas, inventado por Maurice Martenot, nascido em 1898. O instrumento foi apresentado pela primeira vez em 1928.

A base do instrumento é o princípio do oscilador heterodino, o som é produzido pelo batimento entre dois circuitos oscilantes agrupados, assim as diferentes frequências são produzidas por esse princípio, depois devidamente ampliadas em um amplificador tradicional. A mudança de altura dos sons consiste na agitação sobre o condensador variável de um dos circuitos, já os timbres são realizados por meio de filtros, componentes e outras peças que interferem nos harmônicos*.

O instrumentista conta com um teclado oscilante e de uma fita munida de de um anel que, desclocando-se diante do teclado, permite realizar glissandos* sem descontinuidade.

No instrumento ainda se encontra uma gaveta que possui controles da intensidade e ataque, além de uma série de botões de registro para compor o timbre.

A extensão é de sete oitavas* que vão: Do1 até Si6

Tradicional Ave Maria de Gounod - Exposição

Messian

Os compositores franceses do século XX em grande parte escrevam para onda martenot, pois são exercícios obrigatórios de uma disciplina de estudo no Conservatório de Paris, assim um a lista enorme como:

G. AURIC : La P.. respectueuse ondes and orchestra...

P. BOULEZ : Les poèmes de Char ondes, voice and piano

S. BUSSOTTI : Due voci ondes, soprano and orchestra -
Pièces de chair ondes and instrumental ensemble...

R. CALMEL : Stabat Mater ondes and orchestra...

J. CHAILLEY : Casa Dei ondes, voice, choir and orchestra -
Les Perses d'Eschyle ondes, choir, percussions and orchestra...

J. CHARPENTIER : Concerto ondes and orchestra -
Concertino alla francese ondes, string orchestra and percussions -
Suite Karnatique ondes solo - Rasikapria quatuor d'ondes - Lalita onde et percussions - Lied ondes solo ...

H. DUTILLEUX : Trois tableaux symphoniques orchestra with ondes -
La fille du diable (suite) orchestra with ondes

A. HONEGGER : Jeanne au Bûcher ondes, orchestra, choir, solists -
Concerto en Ut -ondes and orchestra -
Le Soulier de Satin (10 hours long theater play) ondes, voice and orchestra...

A. JOLIVET : Concerto ondes and orchestra - Suite delphique ondes and instrumental ensemble...

C. KOECHLIN : Seconde symphonie opus 196 orchestra with ondes -
Le buisson ardent orchestra with ondes...

M. LANDOWSKI : Concerto - Le Fou (opéra) - Montségur (opéra) -
Messe de l'Aurore - La vieille maison ...

B. MARTINU : Fantaisie -ondes, piano, oboe, string quartet

O. MESSIAEN : Trois Petites Liturgies de la Présence divine ondes, piano, women or children choir,
small ensemble - Turangalîla Symphonie ondes, piano and symphonic orchestra -
St.François d'Assise opera with 3 ondes, orchestra, choir, soloists... -
Fête des Belles Eaux 6 ondes - Feuillets Inédits ondes and piano

D. MILHAUD : Suite ondes and piano or ondes and orchestra -
L'annonce faite à Marie 2 ondes and instrumental ensemble -
Hamlet ondes in a band

M. RAVEL : Pièce en forme de Habanera ondes and piano -
Quatuor à cordes 4 ondes - Sonatine ondes and piano (authorized versions by RAVEL)

H. SAUGUET : Symphonie n°4 orchestra with ondes - Oratorio de Noel

A. TOMASI : L'Atlantide opéra-ballet

E. VARESE : Ecuatorial 2 ondes, choir, instrumental ensemble -
Nocturnal ondes, choir and instrumental ensemble

B. WISSON : Kyriades ondes, piano and orchestra (or tape) concerto jazz -
Mais si Robert ondes and tape...

And works by D. ALBARN, C. ARRIEU, T. AUBIN, C. BALLIF, BARRAUD,
E. BERNSTEIN, T. BLOCH, J. CANTELOUBE, C. CHAYNES, J. CHING, J.R. COMBES,
M. CONSTANT, N.T. DAO, DELERUE, J.C. ELOY, J. EVANGELISTA, M. FOISON,
J. GREENWOOD, J. HANDELSMAN, J. HESPOS, J. BERT, M. JARRE, F. LAI,
J. LANGLAIS, P. LE FLEM, D. LESUR, M. LEVINAS, C.S. LEVINE,
C. LOOTEN, J. MARTINON, J.E. MIKALSEN, N. OBOUHOW, B. PARMEGIANI,
F. RAUBER, M. REDOLFI, G. REIBEL, J.C. RISSET, J. RIVIER, E. ROLIN,
F. SCHMITT, SAINT PREUX, Y. TAIRA, A. TAMBA, O. TOUCHARD,
A. TISNE, T. WAITS, Y. WYSCHNEGRADSKY...

Bibliografia:

R. Candé - Dicionário Musical
Thomas Bloch - http://thomasbloch.chez.com/engONDES.htm
Historique de l'étude de l'Ondéa http://www.cslevine.com/ondes/histOndea.htm

Hipermúsica: a Planimetria como técnica hipersígnica de composição musical

2011-05-29T05:00:00.001-03:00

Villafranca e Koellreutter segurando a partitura planimétrica e esférica de Acronon

Há alguns anos, entre 1996 e 2005, tive o prazer de compartilhar experiências musicais com o meu mestre Koellreutter e executar ao lado de Sérgio Villafranca (meu outro mestre), essas experiências foram cruciais para o futuro de minha produção artística. Inicialmente segui uma linha dodecafônica neoclássica, e logo depois somei a música serial neoclássica com conceitos de atemporalidade do mestre o que resultou em algumas obras, e finalmente introduzi os ritmos brasileiros. Depois da morte do professor e a falta de contato com Vilafranca a minha obra foi se transformando, sempre em busca de um sentido e de algo que retratasse a minha realidade como músico brasileiro amante de chorinho, música contemporânea e erudita tradicional. Uma dessas transformações veio depois que passei a usar unicamente o computador para escrever, senti dificuldades para escrever a música gráfica, e o resultado foi uma mudança na produção de música gráfica e adaptação, uma certa preferência pelo poliestilismo e neotonalidade. Porém, recentemente com o acesso continuo à internet, venho desenvolvendo música eletrônica e espectral com vozes e vídeos da internet buscando expressar o meio digital e com textos venho desenvolvendo há 4 anos a ideia dos interlinks em texto, ou como costumo chamar "texto em box", onde tento criar um espaço tridimensional para o texto por meio de janelas que dialogam histórias interligadas. Assim tenho lido inúmeros textos, teses e dissertações sobre a música e arte do século XX e XXI, são pesquisas importantes para entender e "determinar" o futuro da música e poesia que farei, e isso se faz necessário a qualquer artista, pois nesse século as manifestações artísticas tem sido amplas e complexas. Dessas pesquisas ainda colhi pouco, mas espero obter bons resultados.

Para finalizar, compartilho uma das minhas pesquisas eletrônicas, o fantástico artigo do Mestre Eufrasio Prates, músico e professor que tem contribuído para a investigação da música contemporânea.

Eufrasio Prates

Texto a ser apresentado no
IV Congresso Internacional Latino-Americano de Semiótica (La Coruña-Espanha 1999)

Abstract: As últimas mudanças paradigmáticas deste fim de milênio nos levaram a uma visão de mundo mais complexa, bem representada pela lógica hipertextual de representação sígnica. O presente artigo pretende mostrar como a Planimetria – nova linguagem gráfica de composição musical criada por H. J. Koellreutter para atender à sua "estética do impreciso e do paradoxal" – reúne as qualidades essenciais requeridas para produzir "hipermúsica", isto é, música baseada numa lógica não-linear.

O século XX se apresenta, na história conhecida da música ocidental, como o de maior complexidade. Seus inícios preludiam um movimento de transcendência dos valores dualistas da modernidade em direção a outros mais abrangentes e difusos, o que explica o solo propício à germinação da crítica e do experimentalismo. Como afirma Merrell, consciente da dificuldade em escapar às descrições reducionistas que contrapõem a tradição cartesiana-newtoniana ao presente século, "pós-modernismo e pós-modernidade são uma atitude em direção a nossa radicalmente transiente cultura contemporânea" (1995:4).

A Relatividade de Einstein, a Incerteza de Heisenberg e o Efeito Borboleta da Ciência do Caos são grandes contrapontos à visão clássica newtoniana que muitos - não apenas na física, mas também na arte, na filosofia e em todos os campos do saber - buscam transcender. É no meio desse turbilhão de novos conceitos, modelos e teorias que uma nova concepção de mundo se divisa no horizonte. Transformação é, em suma, o principal fenômeno de constituição dos novos sentidos desse mundo. Nele se desenvolveram, no âmbito musical, o dodecafonismo, o aleatorismo, a música concreta, eletroacústica, eletrônica, o serialismo integral e, dentre inúmeras correntes de criação extremamente diversificadas, a música de improvisação.

Essa diversidade, entretanto, não esconde uma característica comum à música contemporânea: a enfática preocupação com o método de composição e, por conseguinte, com a linguagem musical. Ainda que a música faça eventual uso da linguagem textual, sabe-se que suas estruturas repousam sobre códigos característicos e próprios, que variam ao longo do tempo e do espaço. A compreensão da estruturação da música do século XX passa assim, forçosamente, pela compreensão dos sistemas de linguagem em que se fundamentam. E para compreendê-los sem cair numa abordagem tecnicista e reducionista, é imprescindível a consideração de suas intenções expressivas assim como do contexto em que se inserem.

Da física quântica ao hipertexto pela semiótica

As novas formas de composição desenvolvidas ao longo desse século apresentam relações profundas com os conceitos paradigmáticos surgidos na física quântica, dos quais destacamos a relatividade do tempo (ou atemporalidade), a imprevisibilidade (ou acausalidade), a holonomia (implicação do todo na parte), a multidimensionalidade (ou interpenetração gestáltica no espaço-tempo) e a paradoxalidade (Prates, 1997:64).

Os fenômenos, segundo essa nova concepção de mundo, não podem ser reduzidos a dimensões isoladas ou à linearidade causal e determinística da visão newtoniana. A lógica subjacente à visão pós-moderna não se restringe ao princípio aristotélico de não-contradição, às proposições escolásticas e ainda menos ao rigor positivista do final do século XIX. Aproxima-se mais, na verdade, do que propunha Peirce ao falar de lógica como semiótica, utilizando os termos indistintamente. Se toda produção de conhecimento sobre o mundo se dá a partir de signos, de fato a semiótica adequa-se bastante à compreensão desse mundo. E se a "semiótica é conhecimento sobre semiose" (Deely, 1990:105), essa compreensão será maior na exata medida em que a complexidade do conceito de semiose se aproxime da própria complexidade da realidade.

Ainda que o termo semiose tenha sido usado na época de Cícero - já com o significado de "ação sígnica" - Peirce vai explorá-lo com maior profundidade, demonstrando que o processo por ele descrito exclui as ações comuns entre apenas duas partes. Para que ocorra a semiose é preciso que ocorra "uma ação ou influência que é, ou envolve, a cooperação de três sujeitos, tais como o signo (representamen), seu objeto e seu interpretante" (Peirce, CP:5.484). Sendo um fenômeno complexo que media e permite a relação de interpretantes com aquilo que percebem como realidade, a gênese de um sujeito interpretante interdepende da gênese da auto e da heteroconsciência desse mesmo sujeito. Em suma, longe de ser uma abstração que reduz a realidade a sistemas lineares, ordenados e causais, a semiose configura-se como fenômeno infinito, caótico, não-linear e, portanto, complexo em sua simplicidade cotidiana e inevitável. Daí sua maior adequação à análise e compreensão do que coletivamente supomos ser a realidade.

Porém, se a semiose tem a idade do mundo e o conceito de semiose remonta à antigüidade romana, o mesmo não ocorre com a capacidade técnica de representar o conhecimento humano em formas complexas. A fala, a escrita, os rituais ou as artes passaram por milênios até que, na segunda metade do século XX, pudessem dispor de meios que superam os limites da linearidade discursivo-racionalista: os hipertextos. Não se trata aqui de endeusar as novas tecnologias responsáveis pela criação do ciberespaço. Ao contrário, pressuponho que o surgimento de tais tecnologias dependeu intrinsecamente da emergência e consolidação daqueles conceitos duramente defendidos pelos pesquisadores pioneiros do início do século. Sabe-se que os microchips e computadores, por exemplo, não existiriam não fosse o avanço da paradoxal física das subpartículas.

Na verdade, ainda mais importante que os desenvolvimentos técnicos da física foram os conceitos de incerteza, imprevisibilidade e das conexões não-locais, que permitiram técnica e ideologicamente a realização de pesquisas que resultaram no amplo desenvolvimento das telecomunicações e da informática. Assim é que se construiu, em poucas décadas, o espaço e as técnicas hipertextuais de representação do conhecimento, hoje bastante conhecidos por causa da Internet.

O conceito de hipertexto, por sua vez, é espantosamente simples: trata-se de um texto que pode ser percorrido de diversas formas, não contendo a priori princípio ou fim. Um hipertexto contém termos-chave que funcionam como conexões para saltar de um ponto a outro, os assim chamados hiperlinks. Na lógica de navegação de um hipertexto está contido o princípio segundo o qual o leitor define, ativamente, o seu caminho individual, construindo em conjunto com o autor a sua versão própria do texto. É claro que o próprio processo de interpretação de um texto sempre permitiu um certo grau de liberdade criativa ao leitor, o que foi explorado por Mallarmé e James Joyce muito antes da invenção dos computadores. Outro exemplo, da primeira metade do século, é o poema dadaísta, resultante do recorte aleatório de palavras num jornal, de sua posterior mistura num saco de papel e, por fim, da retirada das palavras uma a uma. Estes e muitos outros exemplos evidenciam a preocupação, consciente e deliberada ou não, dos artistas em desenvolver métodos e linguagens nos quais a participação do fruidor seja enriquecida e valorizada.

Koellreutter e a Planimetria

A defesa de uma concepção de mundo onde a complexidade aproxima sujeito e realidade mostra-se, por si só, cativante. Some-se a ela o evidente caráter político-ideológico desse tipo de iniciativa e compreender-se-á melhor sua relevância e necessidade. Especialmente numa época quando o uso do poder e da tecnologia mantêm-se focados na concentração de riqueza, belicosidade e dominação da natureza, a despeito dos enormes males que essa política impõe à sociedade e ao meio ambiente. Considerando-se que uma das principais funções da arte seja a de expressar idéias e sentimentos fundamentais para o ser humano, diversos artistas abraçaram a defesa de ideais que bem se representam nos conceitos modelares da pós-modernidade.

Muitos desses artistas, é preciso que se diga, falharam em tal empreitada. A razão mais freqüente - e esta é uma dificuldade que ainda enfrentaremos por algum tempo - é a dificuldade em se expressar através de códigos ainda mais complexos que os do romantismo, especialmente para um público fruidor doutrinado e alienado pela mídia de massa (Prates, 1998:39). Num contexto como esse, a exigência sobre a criatividade do artista é altíssima já que não basta inovar no que é dito mas, complementarmente, na forma de estruturar o discurso.

É nesse ponto que chamo a atenção para a proposta do compositor H. J. Koellreutter. Nascido na Alemanha em 1915, radicou-se no Brasil em 1937 após ter sido perseguido pelo nazismo. Sua formação estética expressionista facultou-lhe a introdução do dodecafonismo no cenário local. Após o término da segunda guerra, foi convidado para desempenhar o cargo de diretor do Instituto Goethe em Nova Delhi e Tóquio. Residir no Japão e na Índia e viajar por diversos outros países orientais resultou em profundas mudanças em sua estética. Retornando ao Brasil no início da década de sessenta, o compositor encontrou tempo e terreno fértil para o desenvolvimento de uma nova técnica que, simultaneamente, permitisse reunir os conceitos apreendidos na filosofia e estética orientais, na filosofia da física moderna e na estética ocidental contemporânea. Tudo isso, é claro, temperado pelo que Koellreutter costuma chamar de caldeirão cultural brasileiro e regado a uma boa "pinguinha" (aguardente de cana brasileira). Já com 55 anos de idade, ao compor a obra Acronon, decidiu rasgar todas as suas obras anteriores. Daquele ano de 1970 até hoje, o compositor tem se dedicado a aprimorar a Planimetria.

Pode-se classificar a Planimetria entre as técnicas contemporâneas de improvisação apoiadas em notação gráfica. Essas técnicas foram desenvolvidas com o objetivo de incrementar a participação do intérprete no processo de criação musical. A tradicional liberdade do intérprete, que se situava no âmbito sutil e limitado das intensidades e andamentos, passa assim a uma dimensão jamais antes encontrada na história da música. Cage e Stockhausen encontram-se entre os primeiros músicos a inserir grafismos para estimular a realização de sons mais imprevisíveis em suas obras de meados desse século. Franco Donatoni, Morton Feldman, Earle Brown e Joachim Hespos são nomes importantes que deram seguimento ao desenvolvimento da improvisação sobre gráficos. Ver-se-á, no entanto, que as semelhanças com qualquer outra técnica conhecida de composição termina aí.

"Estudo para José Eduardo Martins" (1991) de H.J. Koellreutter.

A base de uma obra planimétrica é um grande círculo, onde se situam os signos musicais. A escolha de uma figura paradoxalmente limitada e infinita não foi gratuita. Sabe-se, por um lado, que o círculo é visto no Oriente como símbolo de universalidade, perfeição, unidade e completude. Por outro, muitos físicos e astrônomos defendem que o universo é infinito, mas tem fronteiras, o que explicaria a expansão averiguada pelo efeito Doppler-Fizeau. O diagrama K, nome com que ficou conhecida a partitura planimétrica, inscreve-se num círculo para que possa ser girado, alterando a forma dos signos que o compõem.

A cada interpretação da obra é facultado ao intérprete escolher a posição do diagrama. Já que há uma relação entre a altura dos signos no gráfico e a altura das notas que eles representam, conforme se gira o círculo, alteram-se sensivelmente essas relações. Como se pode perceber, os signos do diagrama indicam assim sons mais graves ou mais agudos apenas na relação com os demais. Esse é outro reflexo de um pensar onde as relações são mais importantes que os objetos, como evidenciou a física quântico-relativística e os diagramas de Feynman e da Matriz de Espalhamento de Heisenberg, aos quais se assemelha, nesse sentido, o diagrama K. Note-se aqui, também, a primeira grande relação entre a música planimétrica e os hipertextos: a priori eles não têm um início ou fim predeterminados. Por serem estruturas holonômicas - isto é, nas quais cada parte representa de forma eqüitativa o todo - pode-se iniciar a leitura em qualquer ponto e terminá-la por interrupção, dependendo do vontade do leitor.

Existem três tipos de signos musicais grafados no diagrama: quadrados, triângulos e círculos. Geralmente os círculos representam um som isolado, os triângulos, dois ou três sons simultâneos e os quadrados, quatro ou mais sons. Assim, o intérprete tem liberdade de escolher as notas que formarão não obrigatoriamente acordes, mas blocos de sons ou simultanóides, como os chama Koellreutter. Percebe-se aqui a ausência de privilégios para a consonância, a harmonia ou a melodia tonais, elementos típicos da composição tradicional. Eles não desaparecem, mas dão lugar a relações mais equilibradas com seus opostos, com os quais podem se complementar. E se a semiose nos recorda a necessidade de uma terceira parte, esta certamente é o interpretante, responsável por essa reunião. A não-linearidade e complementaridade da música planimétrica novamente se aparenta fortemente à riqueza potencial dos hipertextos.

Os signos do diagrama estão ligados entre si através de linhas de percurso, indicando as possibilidades de encadeamento dos mesmos. Na bula da partitura, o intérprete é orientado para o número mínimo e máximo de sons a selecionar a cada conjunto sucessivo de sons, de modo a formar uma gestalte. As opções de passagem de um signo a outro são equivalentes à escolha de uma palavra-chave num hipertexto, mudando imprevistamente de um ponto do todo para outro qualquer. Com isso, desaparece a típica causalidade de uma linha melódica tradicional - onde o uso de um sétimo grau gera a tensão que, previsivelmente, se resolverá no tom fundamental. Ao se realizar a abertura a acontecimentos imprevistos para todos os participantes do evento, constitui-se uma obra acausal composta de signos cujo comportamento probabilístico assemelha-se ao das partículas subatômicas e de uma navegação hipertextual. Assim como as histórias e fenômenos não ocorrem linearmente na natureza, originariamente imprecisa e paradoxal.

No diagrama K, cada sucessão completa de sons, isto é, cada gestalte, deve ser separada da anterior e da posterior por um silêncio longo. Além disso, ao lado de cada linha de percurso encontram-se dois números. O primeiro indica, em tempos (pulsos) livremente contados pelo intérprete, a duração do signo musical tocado. O segundo, a duração do silêncio que obrigatoriamente segue aquele som. O efeito de rarefação resultante é bastante característico das obras planimétricas. Segundo depoimento do compositor, esse efeito derivou-se de sua observação da renda trançada por mulheres nordestinas. A beleza da renda não se encontra no tecido, mas na relação figura/fundo resultante de sua colocação sobre uma superfície contrastante. Dessa forma, a diafaneidade da Planimetria vem do jogo entre o som e o silêncio. Para reforçar o caráter equilibrado da presença desses dois elementos compositivos, o autor propõe em alguns casos a versão negativa da obra, invertendo as durações de som e de silêncio. Essa ausência de hierarquia e de referenciais fixos é reflexo da concepção holonômica da obra que, como a renda e o hipertexto, é uma rede de nós.

Quanto ao andamento, que é sugerido de forma imprecisa, deve resultar sempre de tempos que o intérprete conta de forma livre. Tipicamente são solicitados andamentos lentos ou rápidos, sem a rigidez das indicações que precisam o número de semínimas por minuto. A idéia subjacente resgata a época em que os músicos intérpretes tinham a liberdade de regular a velocidade e a intensidade da música que produziam conforme a necessidade expressiva e as expectativas do público. Assim também se vê ocorrer com os hipertextos, que se submetem totalmente ao ritmo e grau de profundidade do público leitor. A intersemiose do intérprete musical, assim como a de quem transforma um texto em hipertexto, funciona como o declamador de uma poesia, que transforma signos gráficos em sons plenos de sentido para aqueles que se dispuserem a interpretá-los segundo sua própria experiência.

Em suma, a música planimétrica, assim como o hipertexto, é holonômica, paradoxal, imprecisa, acausal, diáfana e reticular, podendo adequadamente ser classificada como uma hipermúsica que a cada hiperlink pode inaugurar múltiplos mundos de novas semioses e interpretações.

Questões finais

Pode-se afirmar, sem juízo de valor, que a música de vanguarda em geral impõe algumas barreiras ao ouvinte leigo em função da complexidade de sua linguagem. A principal razão para essa dificuldade encontra-se na própria abertura simbólica desse tipo de obra. Estamos habituados a receber informações simplificadas, reduzidas, mastigadas, valendo sempre que possível a lei do menor esforço. Pesquisas de mercado orientam, sempre pela média estatística da maioria, o ponto de corte para a produção deliberada da mediocridade cultural. Quando muito, o leigo eventualmente freqüenta concertos de música clássica nos quais o instrumentista ou o regente tem o trabalho de estudar a obra e o contexto para apresentá-los no programa, como orientações para a fruição. A passividade desse ouvinte é tão grande quanto a redundância do espetáculo.

Na música de vanguarda, ao contrário, não há almoço grátis ou pesquisas mercadológicas. E na planimétrica, menos ainda. Não há aí, é claro, nenhuma intenção pernóstica ou elitista. O que ocorre é que uma obra contemporânea está fundamentada na participação ativa do intérprete e do público, interpretantes ativos como co-autores da música planimétrica, obra incompleta por natureza. Daí o velho dilema quanto às questões comunicacionais da arte pós-moderna e o aprofundamento do abismo que a separa dos grandes públicos. Abre-se, entretanto, uma porta interessante com o crescimento da Internet e do uso dos hipertextos. Teremos finalmente agora, na virada de mais um milênio, uma oportunidade para disseminar amplamente as linguagens mais complexas? Se essa questão é de difícil resposta, outras surgem em função das assombrosamente fortes relações aqui traçadas entre a planimetria, os hipertextos e a física contemporânea:

Teria a planimetria, avant la lètre, prenunciado o desenvolvimento dos hipertextos? Seria Koellreutter um profundo conhecedor de física quântica que teria intersemioticamente traduzido as mais complexas descobertas do século para a forma musical? Seriam todas essas relações um enorme conjunto de coincidências?

Parece-me que a resposta a todas essas perguntas é não. O que pode nos ajudar a compreender essas relações semiósicas é o próprio conceito de holonomia. No fundo, todos os fenômenos do mundo estão intimamente interconectados e o surgimento de um paradigma posterior ao da modernidade funciona como o ar que nos cerca: não podemos vê-lo, mas podemos senti-lo, cheirá-lo, perscrutá-lo. Mais do que isso, sem ele estaremos todos mortos.

Bibliografia

Deely, John. Basics of Semiotics. Bloomington & Indianapolis (IN-USA), Indiana University Press, 1990.

Merrell, Floyd. Semiosis in the postmodern age. West Lafayette (IN-USA), Purdue University Press, 1995.

Peirce, Charles S. S. The Collected Papers of Charles Sanders Peirce. Electronic edition [reproducing the Cambrige (MA-USA), Harvard University Press, Vols. I-VI 1931-1935, Vols. VII-VIII, 1958], 1994.

Prates, Eufrasio. Música Quântica: em torno de um paradigma holonômico in Comunicação e espaço público. Brasília: UnB-CESPE, Jan/1997, n. 1 (61-72), 1997.

Prates, Eufrasio. Trumbicabilidade da música de nossos dias in Pequenos Delírios. Brasília: IESB-Valci Editora, n. 1 (37-41) , 1998.

Local Original: http://reocities.com/Eureka/8979/hypermus.htm

Sobre o autor
Eufrasio Prates é Músico pela Faculdade de Artes Alcântara Machado e Mestre em Comunicação pela UnB-Universidade de Brasília. Professor de Estética no IESB-Instituto de Educação Superior de Brasília e na UCB-Universidade Católica de Brasília. Diretor da ABSB-Associação Brasiliense de Semiótica e Vice-coordenador do NTC-Brasília-Centro de Estudos e Pesquisas em Novas Tecnologias, Comunicação e Cultura. Membro honorário da ECODATA-Agência Brasileira de Ecologia e Tecnologia da Informação. E-mail: eufrasio@unb.br.

Cidadania

2011-05-28T04:56:00.000-03:00

Ao pé da Sé, adormecem Zé,
Seu Zé, Totó, Mariano, Canjica…

Tosse Seu Zé, rosna o Totó,
Se ajeita Canjica e treme Seu Zé.

Que frio!
Um frio de um vento vadio!
Vento de morte, vento ululante
Que leva ao léu as folhas do Folha
E acorda Zé, Totó, e Canjica
De frio.

Chora o filho do gueto um vazio,
De frio.
De frio chora o filho do gueto
Um vazio.

Que frio de um vento vadio!
Vento de morte, vento ululante
Que leva ao léu a cidadania
De gente sem culpa da hipocrisia.

Que frio de um vento vadio!
Vento de morte, vento ululante
Que leva ao léu a cidadania
De gente sem culpa com a cara da gente.

Que frio!
É o filho do vento vadio.
Que frio!
É o fio do praça vazia.
Que feio!
Esta pedra no fundo do peito.

©Wagner Ortiz reg. 178-2/299-3

Acidentes Musicais

2011-05-23T03:31:00.004-03:00

Os sinais de notação musical no ocidente sempre estão em evolução, assim desde o séc. V A.C, data do primeiro documento com música notada referente ao fragmento do coro do Orestes de Eurípedes, os sistemas estão em desenvolvimento. Como os gregos advêm as letras do alfabeto para indicar notas, e só no Séc.V, com os Romanos, as letras gregas dão lugar as latinas. Mais tarde, séc VIII surgem os chamados neumas*, ou seja, uma espécie de notação taquigráfica, representada por sinais de difícil interpretação que foi melhorada com a representação do movimento melódico, ou melhor, a altura* das notas era disposta como um gráfico. Foi somente no séc. X que essa notação ganhou aperfeiçoamento para ser mais precisa, assim foram acrescentados ao gráficos letras para precisar a altura da notas, então surge ideia de usar duas espécies de "B", o que correspondia a uma nota acidentada, ou seja, alterações diferentes para notas de mesmo nome.

Sistema de Alfabético para indicar a altura das notas.

A B C D E F G

(LÁ SI DÓ RE MI FÁ SOL)

O epitáfio de Seikilos é um exemplo da notação musical praticada durante a Grécia Antiga.

Com o surgimento da notação quadrada* (que usada no canto Gregoriano*) e a polifonia* foi necessário mais aperfeiçoamento, assim surgem a pauta* e maior frequencia de alterações nas notas. Para indicar essas alterações foram criados os acidentes, sinais que indicam os ajustes, ou as alterações das notas. Esses ajustes tem origem no chamado famoso "diabolos in musica", já que no canto gregoriano as notas cantadas seguiam padrões chamados de modos, que é a maneira de cantar, ou escalas*, o diabolus era um intervalo de 3 tons entre duas notas que desestabilizava o equilíbrio melódico da escalas, considerado uma dissonâcia* terrível, ou seja, não soava bem aos ouvidos. Assim, quando se cantava uma escala partindo da nota FÁ (F), a tendência era corrigir o SI (B), baixando-o em meio tom, daí surge o chamado "B" quadratum (quadrado) e o B rotundum (redondo), esse último era a nota B (Si) com ajuste, hoje chamado de Si bemol. O intervalo de segunda menor, que pode ocorrer entre o Si e o Dó, também é dissonante e deveria ser igualmente evitado. Para evitar a ocorrência dessas dissonâncias, o Si era rebaixado em meio tom. Dessa forma passava-se do hexachordum durum (o hexacorde "duro" Sol-Lá-Si-Dó-Ré-Mi) para o hexachordum molle (o hexacorde "mole" Sol-Lá-Sib-Dó-Ré-Mi).

bemol ()

Nota Lá bemol

Notação Quadrada sobre pauta - Acima e abaixo da pauta notação neumática.

Com o passar do tempo surgiu a preferência por somente alguns modos, ou escalas gregorianas, essa escola deu origem ao sistema de tonalidades, ou seja, fazendo as alterações e ajustes nas notas toda vez que se mudava a nota inicial para manter o modo, surgem assim o modo MAIOR e MENOR. Com as tonalidades surgem então o uso de chaves, ou acidentes fixos, necessidade de fixar as alterações constantes do modo para não as ficar repetindo na escrita.

Dos acidentes no sistema tonal se tem:

Sustenido = faz aumentar ou suspender a nota escrita em meio tom

Bemol = faz diminuir, ou abaixar a nota escrita em meio tom

Bequadro - faz a nota anteriormente alterada por sustenido ou bemol voltar ao seu estado natural.

Dobrado bemol, faz a nota escrita baixar 1 tom em relação a nota natural.

Dobrado sustenido, faz a nota escrita subir 1 tom em relação a nota natural.

A evolução dos sistemas continuou e após o século XIX com o surgimento de novas técnicas em busca de sons novos e novas expressões musicais, surgem as alterações microtonais*, ou seja, alterações menores que meio tom, assim surgindo alterações de quarto de tom, terço de tom e quinto de tom, porém é comum a divisão em partes menores.

Alguns acidentes para notação microtonal:

Uso da notação microtonal na obra de Wyschnegradsky

Sistema de doze divisões em um tom (1/12)

Informações sobre microtonalismo (em inglês):

M. Beaulieu: Cyclical Structures and Linear Voice-Leading in the Music of Ivan Wyschnegradsky

Alguns compositores e pesquisadores do microtonalismo:

Christiaan Huygens (1629–1695)

Julián Carrillo (1875–1965)

Adriaan Daniël Fokker (1887–1972)

Ivan Wyschnegradsky (1893–1979)

Alois Hába (1893–1973)

Harry Partch (1901–1974)

Alain Daniélou (1907–1994)

Jean-Etienne Marie (1917–1989)

Erv Wilson (b. 1928)

Joel Mandelbaum (b. 1932)

James Tenney (1934–2006)

Clarence Barlow (b. 1945)

Valeri Brainin (b. 1948)

Jacques Dudon (b. 1951)

William Sethares (b. 1955)

Georg Hajdu (b. 1960)

Bob Gilmore (b. 1961)

Marc Sabat (b. 1965)

Vídeos-aulas:

Bibliografia

Artigos de http://pt.wikipedia.org Notação Musical

Candé, R. Música, linguagem, estrutura, instrumentos Ed.70, 1989

THESAURUS MUSICARUM LATINARUM (em Latim), linkado. Acesso: 23/05/2011

Wisnik, José Miguel (1999). O Som e o Sentido. São Paulo. Cia das Letras. ISBN 85-7164-042-4

Música contemporânea

2011-05-21T20:00:00.001-03:00

É difícil falar de música quando se considera o mundo todo, todas as culturas, pois apesar de a música ter uma linguagem praticamente universal, os conceitos ocidentais se diferem muito dos pensamentos orientais, entretanto a música ocidental em busca de novidade começou incorporar elementos da música de todo o mundo, assim tornando-a verdadeiramente universal.

Classificar e explicar a música erudita de hoje não é tarefa fácil, pois embora literalmente música contemporânea* seja qualquer música contemporânea àquele que fala, tecnicamente é a música erudita dos séculos XX e XXI. Podemos mencionar duas escolas: a da Música de Vanguarda, que compreende sobretudo o experimentalismo; e as tendências neoclássicas e neo-românticas (chamadas "conservadoras"). Dentre as características a música contemporânea valoriza especialmente a inovação, a criatividade e a liberdade de interpretação. Tudo se iniciou com a música impressionista, de 1910 a 1920, dominada por compositores franceses como Ravel e Debussy, contudo há músicos no século XIX como Listz, Wagner, que trasncenderam o sistema tonal*, ou seja, começaram abrir portas para os rompimentos entre a tonalidade* apontando o caminho para a atonalidade*, e outros como Erik Satie que drasticamente quebra a estética da época. Nessa época era cada vez mais frequente a busca por novos, sons, novas formas e ritmos, assim temos exemplos de pesquisas notáveis dentre eles já no século XX podemos citar Carl Orff e Bèla Bártok.

Dos muitos tipos ou estilos, se seguem no decorrer do sèculo XX movimentos pró-música nova, assim do resultados desses movimentos podemos citar: Modernismo, Dodecafonismo, Serialismo, Minemalismo, Ecleticismo, Conceptualismo, Neo-classicismo, Poliestilismo, Tonalidade Pós-classicista, Música Eletrônica ou Eletroacústica, Experimentalismo, Improvisação Livre, Neo-Tonalismo, Neo-Romantismo, Nova Complexidade.

Alguns compositores e artistas do século XX por escola:

Modernistas
Thomas Adès, Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Magnus Lindberg, Gunther Schuller y Judith Weir.

Poliestilismo
Lera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Ezequiel Viñao, Frank Zappa y John Zorn.

Conceptualismo
John Cage, Marcel Duchamp, Yves Klein, Piero Manzoni, Alvin Singleton

Minimalismo e Posminimalismo
Philip Glass, John Adams, Steve Reich, Terry Riley, William Duckworth, Mikel Rouse,Roberto Carnevale, Glenn Branca

Tonalidade Pós-classicista
Michael Daugherty, Tan Dun.

Experimetalismo
George Crumb, Hermeto Paschoal

Ecleticismo
Frank Zappa, John Zorn.

Neotonalismo
John Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk Górecki , Astor Piazzolla, Pedro Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J. Colomer, Román Alís.

Improvisação Livre
Evan Parker, Peter Brötzmann, Derek Bailey

Nova Complexidade
Richard Barrett, Brian Ferneyhough, Michael Finnissy

Música Spectral
Tristan Murail, Gérard Grisey, Shigeru Kan-no y Claude Vivier

Duas citações importantes:

Karlheinz Stockhausen

Considerado um dos maiores compositores do final do século XX, com suas obras revoluciona a percepção de ritmo, melodia e harmonia. De suas obras mais ambiciosas destacam-se o quarteto de cordas com helicópteros, Helikopter-Streichquartett, (que é tocado com estes instrumentos mesmo: um quarteto de cordas e quatro helicópteros), parte integrante de um trabalho em desenvolvimento de mais de dez anos, e a ópera Licht baseada em textos sânscritos e budistas que tem suas partes distribuídas nos dias da semana

Interessante:

On the Transmigration of Souls de John Adams (uma obra coral memória das vítimas dos atentados de 11 de septiembre de 2001 ganhadora do Premio Pulitzer.

PIERRE BOULEZ

FRED FRITH, Guitarrista

Penderecki pró tonalidade 2010

Mais Informações

MS (en espanhol)
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cl%C3%A1sica_contempor%C3%A1nea

MC França
http://www.musiquecontemporaine.fr/

Centro de Investigação da Música Contemporânea Portuguesa
http://www.mic.pt/

Sussurro - Música Contemporânea Brasileira (em português)
http://sussurro.musica.ufrj.br/

Catálogo de Compositores (Inglês)
http://composers21.com/

Flautistas e o Quarteto

2011-05-20T20:00:00.017-03:00

FLAUTUTTI

Modernizando o choro com a composição "Chorando em Santos"

A flauta é um instrumento de grande importância na música brasileira, pois através do grande flautista Antonio Callado a música brasileira genuína começa a tomar formas. A partir do fim do segundo império, a polca europeia executada na corte foi somada ao Lundu dos negros escravos e deu origem ao choro (maxixe), uma forma sincopada que mais tarde originou o samba, um dos ritmos mais presentes desde o começo do século até os dias de hoje. Nesse meio, a flauta esteve presente em todos os momentos da nossa música, embelezando arranjos memoráveis, e quando não, sendo o principal instrumento das canções. Assim, quem não se lembra de Flor Amorosa de Antonio Callado; Primeiro Amor de Pattapio Silva; Carinhoso, Lamento, 1X0 e Vou Vivendo de Pixinguinha e Benedito Lacerda. A flauta é instrumento importante na introdução de Ponteio de Edu Lobo e Capinam tocada por Hermeto Paschoal nos festivais da Canção; nas músicas de Tom Jobim, na música de Luis Gonzaga representada pelo Quinteto Violado, além de ser tocada com genialidade pelos solistas Altamiro Carrilho e Copinha e tantas outras contribuições.

Desta maneira o grupo Flauttutti presta uma homenagem a este instrumento utilizando uma formação de quatro flautas para exaltar belas canções do nosso cancioneiro popular, além de composições próprias.

O FLAUTUTTI nasceu no fim de 2010 da paixão em comum de amigos flautistas, músicos influentes em jazz, MPB, choro e erudito, ambos multi-instrumentistas, arranjadores e compositores. A ideia partiu de Edu Moreno, flaustista-saxofonista e compositor, que partiu de uma velha amizade com Roberto Dessordi, flautista-saxofonista. A terceira flauta veio depois de um achado inusitado no Youtube, onde Edu achou um velho conhecido, o flautista e compositor Wagner Ortiz, feito o convite faltava a quarta, que veio por mais uma coincidência, pois semanas antes Ortiz tinha conhecido Eber Cardozo, flautista-saxofonista-cavaquinista, que fechou o quarteto. Assim, graças ao inusitado, surgiu o grupo com a proposta contemporânea para execução de uma nova música instrumental para flautas. Para isso, desenvolveu-se uma pesquisa para a composição e arranjos de forma a valorizar os ritmos brasileiros, sobretudo o Choro do Século XXI, mantendo algumas tradições dos clássicos do séc. XX.

Eber Cardozo

Roberto Dessordi

Wagner Ortiz

Edu Moreno

Instrumentação:

Wagner Ortiz _______flauta em dó

Eber Cardozo________flauta em dó

Roberto Dessordi___flautas em dó e sol

Edu Moreno_________flautas em dó e flauta baixo

Apoio de base:

Contrabaixo e percussão

Clássico Carinhoso

Querida Música

2011-05-19T20:00:00.002-03:00

Doce amor!

Vida bela!

Arco colorido,

Encanto,

Flor,

Musa,

Sol fulgente,

Estrela cadente,

Gomo da laranja,

Pera doce,

Ar tão puro,

Pele de veludo,

Aurora do meu céu,

Vermelho do meu sangue,

Pétala da Lotus,

Altiva entre as belas orquídeas,

Mel do meu ser,

Fluído do meu corpo.

Pensamento tão sublime do meu córtex,

Cor da minha tela,

Arte da minha vida,

Letra da minha pena,

Vida para meus ouvidos,

Matéria dos meus versos

Que vão cada vez mais bonitos

No seu palco, na sua luz,

Onde bailo feliz

Onde vivo

Onde mato minha sede

Onde alimento-me

Onde nasço

Onde morro

Onde ressurjo

Onde vivo no infinito.

©Wagner Ortiz

REG. BN - 178-2/299-3

Alemanda, Allemande

2011-05-19T03:37:00.001-03:00

Também conhecida por Allemande, Alemain, Almain, tem origem alemã como sugere o nome, é o primeiro movimento* da suite* instrumental, o tempo varia de moderatos a allegros, compasso geralmente binários (2/2, 2/4 ou C cortado), curiosamente não tem nada semelhante a dança alemã de mesmo nome de 3 tempos praticado nos séculos XVIII, porém a teóricos que discutem sobre seu parentesco com a antiga dança alemã, que é tida como arcaica em 1589 por Thoinot Arbeau. Nas Suites* dos ´ séculos XVII e XVIII inúmeros compositores escreveram, geralmente ela se compõe de duas partes, com ritornelos*, em contraponto* cerrado, geralmente a imitação. Os primeiros sons são caracterizados por compasso anacruze*, geralmente uma colcheia.

A primeira referencia a Alemanda data de uma crônica escocesa em 1549: Thai dancit al cristym mennis dance, the alman haye. Quando foi introduzida na corte da França, passou por transformações que a deixar mais graciosas e sentimentais, de onde vem as allemande francaise. Apesar da tendência em interpretar o movimento com rapidez e fluidez, alguns teóricos dizem que a beleza e graça da Allemanda está na interpretação lenta e limpa. Praetorius em Syntagma musicum, 1619) escreve: "Allemande designa una breve canción o danza germana, porque Alemagna significa "Alemania", y Alemand, un "alemán". Pero esta danza no es tan ágil y diestra como la gallarda, sino por el contrario algo melancólica y más lenta."

Alemanda da Suite pra Violoncelo de J.S.Bach por Rostropovich

Alemanda da Suite Francesa de J.S.Bach - por Roberto Hill

Bibliografia

Candé, R. A Música. A&C

Meus Cadernos de estudo e anotações: Estética.

NEALON, T. A [Very] Short History of Sauce Allemande, em: http://www.cruditas.com/?p=389

Wikipedia Espanhol: Géneros y formas musicales

Poe Trio Brasilis

2011-05-16T01:38:00.002-03:00

O belo trio fundado em 2008 é formado por Vitor Diniz, flauta; Marta Carmo do Espírito Santo, violoncelo e Mateus Dela Fonte. Leva a música brasileira para além de nossas fronteiras. Residentes na Alemanha, divulgam a música brasileira erudita e popular pela Europa com brilho e ótimas interpretações. Nos últimos anos resolvi postar minhas obras pela internet, utilizando um canal no Youtube, esse Blog e um site francês de partituras, assim conheci muita gente de outros países como esperava. O POETRIO foi um desses maravilhosos grupos que se interessaram pela minha música e segue abaixo uma das gravações realizadas em Sttugart em Concerto do trio, a composição se chama Envolvente e tem um história interessante. Trata-se de um choro feito em parceria com meu amigo Ronaldo Camilo, nos tempos de ULM (Universidade Livre de Música) lecionávamos e nos intervalos aproveitávamos para tocar um pouco, em uma das nossas idas à padaria Camilo puxou um papel do bolso, eram as primeiras frases e harmonias do choro sem nome, depois da minha intervenção faltava o nome, em diálogo na padaria surgiu a palavra "envolvente" para adjetivar nossa obra e ficou!

http://www.myspace.com/poetriobrasilis

Wagner Ortiz - Envolvente

Poe Trio Brasilis - Sttutgart 04/2011

Wagner Ortiz - Chorando em Santos op. 95
Poe Trio Brasilis - Sttutgart 04/2011

©Wagner Ortiz

BN - 178-2/299-3

Interpretação: POETRIO BRASILIS

CAPPELLA, a

2011-05-14T01:51:00.001-03:00

Capela do Pilar em Rineirão Pires, pau à pique, fundada em 1714
Informações: Prefeitura de Ribeirão Pires
+ Fotos: Denis Tognetti

Expressão italiana que significa "no estilo de igreja", ou, à maneira de uma cappella. Ainda hoje o termo é usado para designar que uma composição é destinada às vozes sem acompanhamento de instrumentos. Em uma prática antiga também podia dizer que os instrumentos deviam acompanhar as vozes em uníssono* ou à oitava*, sem partes independentes. O canto a cappella tem suas origens na prática do canto gregoriano*, que não exige o auxílio do órgão ou de qualquer outro instrumento, sendo executado apenas por vozes de monges ou clérigos que formavam o grupo de cantores chamado schola cantorum*. Muitas vezes os cantores desciam do presbitério e se punham a cantar em uma capela lateral da igreja, daí a origem da expressão.

Entre os cristãos da atualidade, conhecidos por conduzir seus cultos a cappella incluem-se os amish, alguns batistas, algumas igrejas católicas, os Irmãos de Plymouth, igrejas presbiterianas devotas aos Salmos*, entre outras. Alguns muçulmanos também adotaram o estilo a cappella desde que o Islão tradicional proibiu o uso de instrumentos, exceto uma percussão básica. O estilo a cappella muçulmano tem o nome anasheed.

São exemplos de composições a cappella os motetos e os madrigais.

Exemplos:

VICTORIA, Officium defunctorum: Kyrie a 6 Vozes

BACH, Moteto Komm Jesu Komm, BWV 229 a 8 vozes

MESSIAEN, 3 Rechants (12 vozes)

Bibliografia

Candé, R. A música

Grove, Dicionário.

Wikipedia, artigo A CAPPELLA

Dicionário Musical

2011-05-11T00:05:00.000-03:00

Há alguns anos estava em uma loja de instrumentos musicais comprando alguns livros, curioso vi uns panfletos (leio todos), me deparei com um cartão muito singelo de uma pianista chamada Daniela, o cartão dizia "pianista formada na Itália", achei interessante e guardei. Dias depois liguei para o número e me apresentei como compositor que gostaria de fazer um trabalho, para minha surpresa se tratava de um premiada pianista que morava na minha cidade, Santo André. Bem, papo vem, papo vai, e a mãe dela me contou que no início de sua carreira foi complicado, pois a família não entendia de música erudita, assim preocupada em entender o que a filha fazia foi buscar informações para poder dialogar melhor e apreciar o dom da filha. Louvável e lindo! Ela contou que não sabia o que era um Concerto, nem ao menos que a música era dividida em partes chamadas movimentos, assim seu esforço valeu, pois hoje ela apoia a filha nas suas atividades. O fato é que, no Brasil, muitas pessoas ainda não têm acesso a música de Concerto, pois não há nas bases da educação a principal ferramenta que pode reverter esse quadro, ou seja, na base de sua educação a maioria dos brasileiros não incorpora os valores da arte, sendo arte uma coisa distante, incompreensível, abstrata e diferente da realidade de muitos. Contudo, é uma pena, pois a arte é transformadora, capaz de mudar muito o indivíduo e o mundo que sabe apreciá-la, traduz a razão de ser, afirma os ideais, ilimita os pensamentos, põe abaixo preconceitos, suscita o questionamento, prega liberdade, revoga a desumanidade, etc. por isso, todo esforço para compreender a arte é louvável, pois por meio dela é que se um mundo melhor. Assim, muitos procuram-na para viver com arte, outros viver pela arte, alguns fazem da sua vida uma arte, e será que não deveríamos fazer tudo ser arte? Alguns fazem, mas para isso é preciso entendê-la. Mediante tudo isso basta analisarmos as falas dos mestres artistas:

A arte diz o indizível; exprime o inexprimível, traduz o intraduzível.

(Leonardo da Vinci)

A arte começa onde a imitação acaba.

(Oscar Wilde)

Os espelhos são usados para ver o rosto; a arte para ver a alma.

(George Bernard Shaw)

A arte é a mentira que nos permite conhecer a verdade.

(Picasso)

A ciência descreve as coisas como são; a arte, como são sentidas, como se sente que são./

O fim da arte inferior é agradar, o fim da arte média é elevar, o fim da arte superior é libertar.

(F.Pessoa)

A arte é uma flor nascida no caminho da nossa vida, e que se desenvolve para suavizá-la.Arthur Schopenhauer

A arte é um dos meios que une os homens.

Léon Tolstoi

As obras de arte são de uma solidão infinita: nada pior do que a crítica para as abordar. Apenas o amor pode captá-las, conservá-las, ser justo em relação a elas.

Rainer Rilke

A arte é a mão direita da natureza. A última só nos deu o ser, mas a primeira tornou-nos homens.

Friedrich Schiller

Bem, aqui estamos com a responsabilidade de ajudar a entender melhor a arte da música elaborando artigos em forma de dicionário musical, claro que a intenção aqui não é responder tudo, mas fornecer umas dicas para essas mães que têm verdadeiros talentos em casa como é o caso da mãe de Daniela, assim espero ajudar àquelas horas de dúvidas, também trazer a informação para o novato que começa frequentar as salas de concertos e quem sabe fornecer informação para um músico amador.

Para melhor forma de consultar os verbetes, abrirei uma aba no blog "DICIONÁRIO MUSICAL" ordenado por tópicos, os links levarão ao verbete postado.

Bom proveito!

Mestres e Alunos

2011-05-07T21:35:00.004-03:00

Nossa vida é tão curta que as vezes não paramos para pensar nas sucessões que se dão pela transmissão do conhecimento. Uma vez que o mestre é o doador da singela semente que brota com todo vigor em outras mentes. Assim, ser mestre é um dia ter sido aluno aplicado, é ser o mediador do saber para que o conhecimento não morra na própria mente mas, passe de geração em geração. Hoje, graças aos meios de comunicação e ferramentas como, por exemplo, o livro, temos milhares de coisas boas sendo espalhadas nas mentes, campos férteis da imaginação. O mestre é aquele que incentiva, que propaga ideias, que leva a fazer, a pensar, a resolver, a sentir, e tudo isso para que mais tarde façamos o mesmo. Ainda há ainda o mestre que é seu próprio professor, o autodidata, tarefa nobre de ser o próprio mediador. Desafio de inventar um maneira de aprender e de ensinar. O mestre Maestro Eleazar de Carvalho dizia que o músico tem que passar por três fases: 1) Ser Aluno 2) Ser Músico 3) Ser Mestre. Mas cá pra nós, não é fácil a transição da 2 para a 3

Algumas sucessões bem sucedidas entre alunos e mestre de composição:

Wagner Ortiz *1975, aluno de

H.J. Koellreutter 1915-2005, aluno de

Paul Hindmith, 1895 -1963 aluno de ------ Hermann Scherchen, 1891 -1966
(autodidata)

Arnold Ludwig Mendelssohn, 1855-1933, aluno de] [e Bernhard Sekles (1872-1934) aluno de

Eduard Grell 1800 -1866 aluno de Iwan Knorr 1853-1916 aluno de

Carl Friedrich Zelter
1758-1832

e de Carl Friedrich Rungenhagen
1778-1851

Carl Reinecke
1824-1910

Outras Ligações

Engelbert Humperdinck, aluno de

Josef Gabriel von (seit 1894) Rheinberger, aluno de

Franz Paul Lachner , aluno de

Simon Sechterund e de Maximilian Stadler., aluno de

Simon Sechter , aluno de Antoni Salieri

alguns alunos de Sechter

Rudolf Bibl (1832-1902), organista e compositor
Anton Bruckner (1824-1896), compositor e organista
Egghard Júlio (1834-1867), pianista e compositor
Henselt Adolf (1814-1889), compositor, pianista e professora de piano
Theodor Kullak (1818-1882), compositor, pianista e professor de música
Franz Lachner (1803-1890), compositor e regente
Leszetycki Teodor (1830-1915), compositor, pianista e professor de música
Eduard Marxsen (1806-1886), professor (a Johannes Brahms aprendeu piano e contraponto)
Josef Netzer (1818-1864), músico e compositor tirolesa
Martin Nottebohm Gustav (1817-1882)
Pauer Ernst (1818-1882)
Gottfried von Preyer (1807-1901), compositor e organista
Franz Schubert (1797-1828), compositor
Júlio Sulzer (1834-1891), compositor e pianista
Sigismund Thalberg (1812-1871), pianista e compositor
Carl Umlauf (1824-1902), tocador de cítara e compositor
Henri Vieuxtemps (1820-1881), violinista e compositor
Carl Zeller (1842-1898), compositor de operetas

Grande Mestre Antonio Salieri (1750-1825) aluno de Florian Leopold Gassmann

Alunos de Salieri:

Ignaz Aßmayer
Marianne Auenbrugger
Ludwig van Beethoven
Carl Blum
António Casimiro Cartellieri
Catarina Cavalieri
Luigi Cherubini
Carl Czerny
Joseph Leopold von Eybler Edler
Johann Gänsbacher
Anton Haizinger
Joseph Louis Ferdinand Hérold
Johann Nepomuk Hummel
Anselmo Hüttenbrenner
Janeiro Koželuh
Franz Liszt
Giacomo Meyerbeer
Anna Milder Hauptmann-paulino
Ignaz Moscheles
Franz Xaver Wolfgang Mozart
Auguste Panseron Mathieu

Maria Theresia Paradis
Bento Randhartinger
Anton Reicha
Carl Gottlieb Reißiger
Girolamo Salieri
Leopold Schefer
Luís Castelos
Franz Schubert
Simon Sechter
Joseph Seipelt
Joseph Stuntz Hartmann
Franz Xaver Sussmayr
troca de Frank
Ignaz Umlauf
Caroline Unger
Johann Michael Vogl
Joseph Weigl
Franz Wild
Peter Winter von

E por ai vai!!!

Nanopoemas e nanotecnologia

2011-04-20T13:04:00.001-03:00

Abro este post com os nano versos:

Fazendo versinho pequenino, o poeta exercita o dedo mindinho.

Anorkinda

http://anorkinda.webnode.pt/nano-poemas/

Outro dia estava pensando, o homem é avançado nas suas ideias, mas ao mesmo tempo é tão medonho, sim, pois pode manipular coisas minúsculas como os próprios átomos, e os cientistas da ₢Intel foram capazes de enfileirar átomos de ouro para criar as pistas eletrônicas do chip processador, outros fizeram um nano guitarra da ordem de nanômetros, e atualmente há o desenvolvimento de nanos rôbos e células artificiais. Incrível! Mas o hiperincrível é que os seres humanos que podem realizar esses atos quases impossíveis não podem acabar com a fome, ou simplesmente não se matar ou destruir a natureza, ou seja, não são capazes de amar com altruismo, não podem ainda transcender o amor egolátrico e usufruir do amor pleno.

Assim, o homem inventa coisas fantásticas como casas automatizadas, supercomputadores, remédios inteligentes que atacam os invasores de modo certeiro, duplicação de células e orgãos, novas substâncias e novos materais, no entanto a depressão continua aumentando em meio as grandes descobertas nanotecnológicas. Nano, do grego, significa anão, ou seja, a escala de trabalho desses pesquisados é da ordem de milionésimos de milímetros, assim Richard Feynman, precursor desse caminho traduz o pensamento com o título da sua tese "Há muito espaço lá no fundo", ambígua quando se vê quanto vazio o ser humano tem no fundo da alma nos últimos anos, o que, ao meu ver, é causa da exclusão, violência e depressão.

Bem, não é um caminho ruim, pois a maior promessa encontra-se na medicina, no intuito de salvar vidas, ou seja um passo para a cura do câncer. Outra coisa são as doenças que causam cegueira com a catarata, que com o nanocolírio que impede a formação de inflamações que produzem a opacidade do cristalino. Mas como sempre, todo bem que essa tecnologia pode trazer esbarra na busca desenfreada do homem por poder e somente seus interesses.

ESCALA NANOMOLECULAR

Formiga - 5mm Cabeça de alfinete 1mm Ácaro - 0,1 mm


Fio de Cabelo - 0,05 mm Nano Engrenages perto de formiga Glóbulos vermelhos
   0,01 mm 0,001 mm


Nano tubos feitos de átomos Síntese de ATP, molécula que Hélices de DNA
de carbono 0,0001 mm ao ser quebrada gera energia 0,000001 mm
   as células. 0,000001 mm ou 1 nanômetro

Saiba Mais

Síntese de ATP
http://www.fomosplanejados.com.br/capitulos/assuntos/assunto.asp?codcapitulo=22&codassunto=79&numero=6

Nano Tubos de Carbono

http://www.inovacao.unicamp.br/report/news-nanotubos.shtml

Nanopoemas

Bem, como o artista não pode negar a realidade, pois a sua visão de mundo é codificado na arte, essa nanotecnologia vem inspirando poetas, assim podemos conferir os nanopoemas, ou poemas-esculturas.

Foi assim que, nesse momento tecnológico, o professor e físico Luiz Henrique Tizei, doutorando do instituto de Física da UNICAMP, grafou um verso de Arnaldo Antunes, com a palavra INFINITOZINHO em um fio mil vezes menor do que um fio de cabelo.

Fotografia feita em microscópio especial mostra o "nanopoema" de uma palavra; trata-se do primeiro do gênero feito no Brasil

Fonte:

http://www1.folha.uol.com.br/folha/ciencia/ult306u556683.shtml

Artigo: NANO ARTE, A POÉTICA METAFÓRICA
http://www.anpap.org.br/anais/2008/artigos/142.pdf

Boa ideia no verso...teia à toa.

© Anorkinda
fonte: http://anorkinda.webnode.pt/nano-poemas/

NANO POEMA

Pê
E
Quê
U
E
eNe
I
eNe
O

©Wagner Ortiz - BN 178-2/299-3

Nano Dilúvio

Comovente verso
Faz chorar a alma
Do poeta imerso.

©Wagner Ortiz - BN 178-2/299-3

Nano Rima

Ri
"di"
Ti,
Morri.

©Wagner Ortiz - BN 178-2/299-3

Nano Música

PRESTÍSSIMO
QUARTI
FUSA

©Wagner Ortiz - BN 178-2/299-3

"Se der tempo"

2011-04-14T11:19:00.004-03:00

Foto: não foi possível encontrar o autor, fonte: precisomeexpressar.blogspot.com

Em um século não tão longínquo do séc. XXI,

Em um "Novo Século", salvar-se-ão milhares.

Nesse novo mundo,

De mentes não turvadas,

Onde há trigo e não joio,

háverá Sol, sem queimaduras solares.

Haverá cura do câncer,

Da AIDS

E os olhos não cegarão,

A pele não morrerá,

O rim não secará,

Os órgãos serão fabricados.

Será o fim da poluição,

Era pró energia limpa, somente.

Hidrogênio como combustível,

E um átomo gerará energia para milhões,

Seus núcleos não serão segredo.

Os ares tornar-se-ão bons,

As águas viverão novamente,

As crianças brincarão nas ruas,

As florestas resnacerão,

Os extintos serão clonados e ressuscitados,

Os mutilados terão pernas e braços,

A sociedade tornar-se-á, enfim, melhor!

A desigualdade enfim terminará,

A fome será uma lenda,

E o conhecimento habitará as nossas casas.

O poeta, o músico, o artista, o palhaço, e ademais terão seu palco mundo.

O choro, enfim, terminará

"Se der tempo",

"Se der tempo".

©Wagner Ortiz

REG. 178-2/299-3 BN

Pombas Pombalinas

2011-04-11T10:19:00.000-03:00

Uma pomba,
U
Duas pombas,
Uu
Três pombas,
Uuu
Um Pombal,
Uuuuuuuuuu!!!

"Tupi, or not Tupi"
Pombal, or not Pombal.
Iluminura não reluz.
Cala a boca crioula
Cerra a taba piaga,
Pois nada de curumim,
é menino, o moço,
Curiango é passáro,
Rouxinol e Cotovia.

Uma pomba,

Duas pombas,

Três pombas,

Uuu

Um Pombal,

Uuuuuuuuuu!!!

"Tupi, or not Tupi"

Pombal, or not Pombal.

Um açai é um refresco?

Araúna um passo-preto?

Fosse a pomba pombalina

Nossa língua da natureza,

Da Aupaba de verdade.

Mas como chamar a arara?

E o jacu do mato baixo?

E o índio? Como chama?

Araripe, Acatauassú,

Capiperibe, Jaguaribe,
Jatobá, Murici
Paraguaçu, Pitangui
Tabajara, Tibiriçá, Pari...

E os lugares da Terra de Vera Cruz?

Aracaju, cajueiro das araras

Itajubá, mina de ouro

Acre, rio verde

Maranhão, correr para mar?

E como comprar peixe na feira?

Jundiá, Cara,

Jurupoca, Caramuru

Cioba, Parati,

Prejereba, Xaréu!

"Tupi, or not Tupi"

Pombal, or not Pombal.

Uma pomba,

Duas pombas,

Três pombas,

Uuu

Um Pombal,

Uuuuuuuuuu!!!

©Wagner Ortiz

₢BN - reg. 178-3/229-3

Flaututti

2011-03-30T01:33:00.003-03:00

Amigos, sinto pela ausência de novos escritos. Tive problemas com o PC e perdi um HD de 1Tb, isso me deixou fora do ar das duas maneiras possíveis (ou mais). vamos ver se eu me animo e começo uma verdadeira produção de artigos e poesias. Postei alguns vídeos novos no meu canal do youtube e estou participando de um quarteto de flautas chamado FLAUTUTTI (vou dedicar um artigo aqui no blog).

Chorando em Santos - Wagner Ortiz

Então vamos lá...

Alma do Violão

2011-02-21T17:14:00.000-03:00

Olá amigos Homo Litteras, peço desculpas aos leitores do blog pela ausência e falta de novos artigos, a vida nos reserva várias situações e algumas vezes não sobra tempo para fazermos tudo o que queremos. NO momento este desenvolvendo várias pesquisas, compondo, fazendo arranjos, experimentando outras possibilidades musicais, fazendo a revisão da minha obra musical e lecionando literatura, assim é complexo arrumar uma hora para escrever um artigo que valha a pena ler. Entretanto obrigado por visitar e fiquem a vontade para assistir aos vídeos no youtube que são resultado das revisões musicais.

Agora vamos falar do violão.

Há uns 20 anos conheci um amigo que tocava o violão, ele era um maluco apaixonado por música erudita e também por guitarristas como Satriani, Malmsten, Steve Vai etc. Com a nova amizade conheci também as possibilidades do instrumento e instantaneamente me apaixonei pela "orquestra de bolso". Comecei a estudar com os métodos que ele tinha e a ler as partituras que eram milhares. Assim conheci o violão, mas naquela época nem imaginava que o instrumento era o grande instrumento do músico Latino, assim depois de certo tempo tocando Carulli, Carcassi, Giuliani, etc. tomei conhecimento do poder que instrumento tinha no nosso país e nos demais Latinos. Leo Brower, Santorsola, Paco dela Lucia, Rafael Rabello, Villa-Lobos, Belinatti, etc. são alguns dos magos do instrumento.

Bem, a alma do vilão que quero discutir aqui não é sob a ótica poética, mas da estrutura mesmo. Outro dia pesquisando descobri que a estrutura interna do violão pode variar, como não sabia disso resolvi escrever esse artigo.

Não é nada fácil construir instrumentos, assim a luthieria ou liuteria é uma profissão artística que engloba a produção artesanal de instrumentos musicais de corda com caixa de ressonância. Tais palavras tiveram origem da construção do alaúde, que em italiano se chama liuto; portanto, liutaio significa aquele que faz alaúdes. Essa arte da luteria é divina, pois transformar madeira em instrumentos musicais é um ato de criação muito sensível. Desde a escolha da madeira, ao processo de secagem, corte, projeto, etc. até o produto final, não é tarefa fácil.

Em todos os tipos de violão o corpo tem as funções de caixa de ressonância e de fixação das cordas. Ao contrário dos instrumentos de arco como violino, o violão não tem alma, ou seja, em instrumentos de arco, o som produzido pelas cordas é transmitido ao corpo oco do violino, denominado caixa de ressonância, pela alma, um cilindro de madeira que fica dentro do corpo do violino, mais ou menos abaixo do lado direito do cavalete. A alma liga, mecânica e acusticamente, o tampo superior ao inferior do violino, fazendo com que o som vibre por todo o seu corpo. No violão podemos considerar a alma o seu tampo, pois tem a função de transmitir a vibração das cordas para o restante da estrutura da caixa de ressonância.

O tampo

A principal parte do corpo do violão, pois as cordas são fixadas ao tampo, no cavalete, quando elas vibram todo o tampo vibra também, assim acontece a amplificação acústica na caixa de ressonância. Funciona mais ou menos como uma membrana, assim o tampo é uma lâmina fina de uma madeira altamente flexível, porém resistente para aguentar a pressão das cordas. Geralmente feito de cedro, mas várias outras madeiras podem ser usadas.

Dizem que os melhores instrumentos são obtidos de árvores com pelo menos 200 anos!!!! Isso porque possuem veios praticamente paralelos, o tampo geralmente é feito de uma única peça de madeira dividida ao meio e colada.

Fundo de um violão Kasha-Schneider sendo construído no atelier de Antônio de Pádua Gomide

A boca do violão, no centro, serve para permitir a passagem do ar em vibração, nela há um anel, mosaico ou roseta, feito em marchetaria colado que é marca do luthier.

Fleta Leivas Silva

Montagem da roseta

Agora a parte mais sensível. Na parte interna do tampo há uma complexa estrutura de barras ou ripas de madeira construída para moldar a vibração do tampo, muitos a chamam de leque, funciona como um filtro de harmônicos e para absorção de ruídos indesejáveis. Em geral o número de barras e o desenho utilizado é característico de cada luthier ou de cada modelo.

Leque do tampo Torres

Tampos e fabricantes

Veios da madeira, cada veio corresponde uma ano de vida da árvore

Tessitura

Sites:

http://www.digiorgio.com.br/

http://ziull.blogspot.com/2010_03_01_archive.html

Antônio de Pádua

http://pt.wikipedia.org/wiki/Guitarra_cl%C3%A1ssica

Alguns Violonistas Brasileiros

Chico Aráujo

Marcos Gomes

Marco Pereira

Blog do Violão - Fábio Zanon - Completo

http://violaoerudito.blogspot.com/